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Olivier Cablat, invité de la Vitrine

La Société française de photographie vous invite au vernissage de l'exposition d'Olivier Cablat dans La Vitrine de la SFP.

Venez nous retrouver le vendredi 4 mai 2012 à 18h !

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Olivier Cablat, "Fig 99 : Typologie progressive du sourire", série Etude typologique des effets de causalité observés sur des individus exposés à des épreuves physiques à caractère pomologique, 2002-2006. TDR

Des vignettes, représentant des portraits de footballeurs sont neutralisées de leur fonction première par l’effacement des informations typographiques dont elles étaient porteuses.

 Les 27 planches juxtaposées deviennent une version d'un nouveau type d'album d'autocollant "Panini", sorte de version contemporaine et personnelle des études de type humain, qui se veut être à la fois une relecture de l'histoire de la Photographie et de l'Ethnologie. (O. Cablat)

Informations

Pierre-Lin Renié invité au Séminaire photographique le 12 avril

Pierre-Lin Renié – Les deux boîtes contenant la collection d’épreuves de travail, novembre 2011.

Pour notre prochaine édition à la Maison du geste et de l'Image, nous recevons Pierre-Lin Renié. Premier échange en avant propos :

-Nous découvrirons jeudi vos "images" mais aussi la manière dont vous souhaitez les assembler, les présenter. Quels statuts occupent-elles dans votre activité artistique ?

-"Après une interruption d’une dizaine d’années, je me suis remis à faire des photographies en janvier 2004. Ce sont des enregistrements directs et simples, descriptifs, regroupant une grande variété de sujets, sans hiérarchie entre eux. Il ne s’agit pas pour moi de travailler un thème spécifique, mais plutôt une manière singulière d’être au monde. Cet exercice d’un regard a priori égalitaire se retrouve à l’intérieur de chaque vue. Les éléments qui la composent sont tous d’égale importance, soumis à la même précision descriptive. Les images qui en résultent réinvestissent aussi bien les genres établis de la photographie moderne (scènes de rue, architectures, objets trouvés...) que les poncifs de la photographie amateur (couchers de soleil, fleurs, animaux...). D’autres reproduisent des détails d’œuvres d’art ou d’images médiatiques.

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Rémy Marlot et Ariane Chopard - Quels monstres se terrent dans les Grands Moulins ?

Rémy Marlot et Ariane Chopard exposent jusqu’au 14 avril deux vidéos Around Home (2003) et Last views (2006) et 30 photographies de la série Limits (2002-2007). Ces images, d’assez grand format, 76 x 100 cm, occupent les trois murs blancs de la galerie, au bout d’un passage perdu dans la verdure, à deux pas de la gare Montparnasse : on quitte l’avenue du Maine, bondée, pour entrer dans une ruelle pavée et silencieuse. Alors, on oublie peu à peu le contexte, Paris, le bruit, et notre œil se pose, comme nettoyé, sur ces images.

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Edith Roux au Séminaire photographique

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Illustration : Les Dépossédés, 2011 ©Edith Roux TDR

Le Séminaire photographique organisé par la SFP, la MGI et l'Université Panthéon-Sorbonne accueille ce jeudi 8 mars Edith Roux .

Rendez-vous à la Maison du Geste et de l'Image à 18h00.

La séance se déroule sous forme d'entretien et sera filmée par le Magazine du Jeu de Paume.

Entrée gratuite, réservation conseillée : 01 42 36 33 52

Organisation et modération des entretiens : Michel Poivert, Julie Jones, Francis Jolly

Entretien de Christophe Bourguedieu avec Michel Poivert le Mardi 17 janvier



Dans le cadre du Cycle de conférences "Cas d'Espèces. De la figure animale dans les pratiques contemporaines"

Organisé au Musée de la Chasse et de la Nature (auditorium)
62 rue des archives. 75003 Paris

à 18h30, Entrée libre

Illustration : C. Bourguedieu. Sans titre, série le Chien jaune, 2005.

Juliette Agnel au Séminaire photographique le 12 janvier



Pour la troisième séance de la saison, le séminaire photographique organisé par la SFP, la MGI et l'Université Panthéon-Sorbonne accueille Juliette Agnel.
Rendez-vous à la Maison du Geste et de l'Image à 18h00. La séance se déroule sous forme d'entretien et sera filmée par le Magazine du Jeu de Paume.

Illustration : Juliette Agnel, sans titre, série les éblouis. TDR

A suivre, une petite présentation de la série des éblouis, par la photographe :

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La République des Amateurs au Château de Tours

Article de Bénédicte Ramade dans la revue L'Oeil d'octobre 2011

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LÄNDER : polysémie du paysage

"LÄNDER : polysémie du paysage" : derrière ce titre se cachent deux jeunes commissaires fraichement diplômées. Pour leur première proposition d’exposition à l’Ecole européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Rennes - Elsa de Smet et Jodène Morand décident de s’attaquer au sujet gargantuesque qu’est le paysage. Alors que l’art du paysage en tant que production picturale semblait être immuable dans ses caractéristiques, les artistes contemporains prouvent qu’il n’en est rien. Face à une société toujours changeante, à la course du progrès, à la désindustrialisation, à l’urbanisation de masse mais aussi aux problèmes environnementaux, aux catastrophes soit naturelles soit produites par l’activité humaine, comment alors réfléchir ce paysage, s’y inclure et le construire.

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Lewis Hine, la photographie comme la sociologie est un sport de combat

La fondation Henri Cartier-Bresson propose une sélection d'images et de documents de Lewis Hine (1874-1940) en provenance de la George Eastman House (Rochester) qui conserve le fonds du photographe américain. Donné à Rochester en 1955 par la Photo-League qui était animée par certains de ses élèves (Paul Strand, Berenice Abbott) mais menacée par le maccarthysme, cet ensemble est ici donné à voir par entrées thématiques et il faut avouer que ce n'est en rien la faiblesse technique des tirages qu'on a pu lui reprocher un temps que l'on note d'emblée, mais bien le plaisir et l'émotion face à ces témoignages d'enquêtes sociales réalisées dans des conditions difficiles.

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Brancusi, l'infini et son fantôme

Il y a encore un peu de temps pour visiter l'exposition Brancusi Images sans fin au Centre Georges Pompidou (jusqu'au 12 septembre). Sobriété des cimaises noires, richesse des documents exposés, un solide catalogue à l'appui (ed Le Point du Jour), cette manifestation est une excellente façon de commencer l'année universitaire en tournant la page de l'entertainment estival et se préparer à la sobriété de l'étude et de la réflexion. Parmi les travaux sur la question, l'exposition apporte non seulement de nouvelles images extraites des archives du musée national d'art moderne (photographies et films), mais aussi cette idée que la pratique de l'image constitue pour le sculpteur une autre forme d'expérience de l'infini.

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La République des amateurs

Pêcheur vers 1909 Antonin Personnaz © coll. Société française de photographie, Paris

L' Exposition "La République des amateurs" est organisée par le Jeu de Paume en collaboration avec la Ville de Tours et en partenariat avec la Société Française de Photographie. Elle présente un ensemble de plus d’une centaine de tirages modernes réalisés d’après les plaques de projection originales conservées à la Société française de photographie, et qui pour la plupart n'ont jamais été exposées. Cette sélection est complétée de plusieurs projections noir & blanc et couleur (plaques autochromes) rendant compte de la manière dont ces images étaient vues et montrées à l’époque.

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Cycle d'entretiens SFP / HiCSA : Yo-Yo GONTHIER

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Yo-Yo Gonthier, Camion-bar & reflet. Série Le grand manège, Saint-Paul, La Réunion, 2002. DR

YO-YO GONTHIER invité par Marc Aufraise et Dagara Dakin

Dans le cadre du cycle de conférences SFP / Université Paris I Panthéon-Sorbonne (HiCSA)

le mercredi 1er juin, 18h (entrée libre, sans réservation)

à Institut national d’histoire de l’art, 2 rue Vivienne, 75002 Paris (Salle Vasari)

Yo-Yo Gonthier est né à Niamey, au Niger, en 1974 et grandit en Côte d’Ivoire et à l’île de la Réunion. Après l’obtention en 1997 d’une Maîtrise de Sciences et Techniques en Photographie à Paris 8, il commence un travail de photographe plasticien indépendant. Avec ses premiers travaux nocturnes, regroupés dans Les Lanternes sourdes (Éditions Trans photographic press, 2003), Yo-Yo Gonthier confronte notre regard au surgissement du merveilleux. Le soin particulier accordé au dosage entre temps de pose long, lumière ambiante et éclairage artificiel dirigé, confère à ses photographies une tension atemporelle digne du rêve où stabilité et mouvement, attirance et répulsion s’affrontent sans cesse. Cette dualité rend compte de la volonté chère au photographe de transmettre son goût de la contemplation active et du cheminement, tant intérieur que spatial, comme antidotes contre la vitesse et l’oubli, fréquents dans la civilisation occidentale. La mémoire des lieux et des édifices se pose alors comme témoin d’une histoire collective occultée ou en voie d’effacement dont rend compte l’exposition Outre-mer à l’espace Khiasma, aux Lilas, en juin 2008. Conscient de la nécessité de la transmission et de l’échange, Yo-Yo Gonthier a notamment enrichi son approche de la thématique de l’exploration dans le cadre du projet L’envol au collège St Exupéry à Rosny-Sous-Bois en 2009. Il a exposé lors de Kreyol Factory, des 6ème et 8e Rencontres de Bamako – Biennale africaine de la photographie, et vient de finir une résidence de création pour la première édition du Addis Foto Fest en Éthiopie. Il est actuellement en résidence à L’École Nationale des Arts du Cirque à Rosny-Sous-Bois. http://www.yoyogonthier.com/

Yves Trémorin, souvenirs du Mexique

La prochaine étape de l'exposition d'Yves Trémorin intitulée La dérivée mexicaine se déroulera à partir du 1er juin au Musée des beaux-arts de Rennes, l'ouvrage éponyme publié par l'Atelier d'édition pour les éditions Loco sortira à cette occasion. Petit extrait d'une étude qui nous a donné l'occasion de nous replonger dans le surréalisme par le biais d'une des figures majeures de la photographie contemporaine en France.

"En inscrivant son travail sous le parrainage du surréalisme - avec les figures contradictoire de Breton et d’Artaud - Yves Trémorin se livre à une entreprise d’inventaire, de collecte et d’appropriation d’objets et de corps dans lesquels il examine ce qu’il reste des puissances symboliques. Ce faisant, il éprouve le pouvoir des photographies à faire apparaître la part mystérieuse de ce que le tourisme n’a pas totalement dissipé. L’ensemble parvient à constituer, selon une partition qui reprend les figures des combats de catch mexicain - masque contre masque, chevelure contre chevelure - un petit inventaire du totémisme moderne.

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RAPHAEL DALLAPORTA invité par Garance Chabert


























Raphaël Dallaporta, Ruine (Saison1), Kafir Qala, province de Balkh, Afghanistan.TDR


Dans le cadre du cycle de conférences SFP / Université Paris I Panthéon-Sorbonne (HiCSA)

le mercredi 11 mai, 18h (entrée libre, sans réservation)

à Institut national d’histoire de l’art, 2 rue Vivienne, 75002 Paris (Salle Vasari)

Animé d’une conviction documentaire, Raphaël Dallaporta développe depuis 2004 un travail photographique par séries centrées sur un motif, et sur des sujets comme le déminage, l’esclavage domestique, ou plus récemment les autopsies. En regard de ces séries, l’entretien portera sur les enjeux de son nouveau projet, Ruine, réalisé en Afghanistan en collaboration avec la mission archeologique du Nord de l'Afghanistan , et dont les premières photographies seront exposées aux Rencontres Internationales d’Arles l’été prochain.

Marie-Noëlle Boutin : Man's land

Des rues et des visages, des alentours de ville que la civilisation de l’automobile a déclassés, des regroupements d’amis ou de familles, des lieux de promenade : ici, en France ou ailleurs, très loin en Chine ou plus proche de nous en Israël, Marie-Noëlle Boutin parvient à élaborer une représentation réaliste sans recourir aux signes agressifs d’un monde contemporain que l’on caricature à l’envi. Ce travail est une levée des formes et des signes par le moyen d’une défamiliarisation : construire une observation du monde qui dévoile ce que la proximité et l’habitude recouvrent. Des situations privées d’anecdotes mais sculptées dans des lumières qui en célèbrent la vitalité, la consécration minutieuse d’espaces refoulés par l’imagerie de la communication, l’attention portée à la quiétude des êtres : Marie-Noëlle Boutin décrit un fragile état de paix.

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Les invitations au voyage d’Anna Malagrida

















Forte d’une double culture (née à Barcelone, elle vit depuis 2004 à Paris), Anna Malagrida a mis à profit ses études à l’école d’Arles pour construire une approche à la fois spéculaire et spéculative, depuis une dizaine d’années. Deux expositions monographiques présentées simultanément au CPIF (Pontault-Combault) et à la galerie RX (Paris 8ème) apportent du relief à des surfaces qu’on pensait planes et transparentes, nous laissant entrevoir certains paysages urbains désaffectés. Ainsi présente-t-elle une collection d’« œuvres aimants » attirant chaque fois des pôles opposés : qu’il s’agisse d’immortaliser des ruines contemporaines (Point de vue, 2006 et Vitrines, 2008-2009) ou le souffle éthéré du quotidien, c’est avec soin que l’artiste catalane développe chaque fois des stratégies pour libérer paradoxalement les frontières de leur dimension limitrophe et activer certains détonateurs d’imaginaire (Frontière, 2009). Un catalogue édité par la fondation Mapfre (Madrid) complète les expositions. Illustré de nombreuses reproductions pleines pages, il comporte par ailleurs un entretien avec l’artiste et des textes critiques, fournissant un prolongement intéressant à ces visites.

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Philippe Durand : International Vegetal

L’exposition de Philippe Durand à la galerie Laurent Godin à Paris se concentre sur une dimension à la fois iconographique et politique chère à l’artiste depuis ses débuts : visiter avec une fausse ingénuité les marges du monde moderne. Les mauvaises herbes qu’il traque dans les recoins des villes sont une figure inversée des nombreuses publicités qu’il s’est longtemps plu à dénicher dans les campagnes, comme s’il fallait aller au bout d’une démonstration sur l’inversion des codes. Toutefois, ce champ-contre champ de la nature et de la cité moderne n’aboutit pas au statu quo. L’exposition « Mauvaises herbe » tend à démontrer qu’au petit jeu des rivalités, ce sont les plantes que l’on appelle aujourd’hui « pionnières » qui raflent la mise. Au sous-sol de l’exposition, on ne peut qu’en convenir : les herbes envahissent les lignes électriques et téléphoniques, la nature reprend ses droits sur la communication.

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Entretien Karim Kal / Michel Poivert

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Karim Kal. Images d'Alger 2002. TDR.
in Karim Kal. Perspective du Naufrage, textes de M. Poivert, Patrick Chamoiseau, Ed. Adera, 2010.



Vous êtes cordialement invités au prochain entretien du cycle de conférences SFP, le :

mercredi 9 février

à Institut national d’histoire de l’art, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Salle Vasari

de 18h à 20h (entrée libre, sans réservation)

'En 2010, Karim Kal avait titré son exposition au musée urbain Tony Garnier à Lyon : « Les Déclassés – Alger, Cayenne, Evry », réduisant ainsi une diversité géographique au dénominateur commun de l’identité sociale. Cette diversité est aussi historique, elle dessine la carte du naufrage de l’empire colonial français depuis la seconde moitié du XXe siècle. Ou, tout du moins pour l’instant, certains des territoires où les Naufragés se sont installés, rejoignant dans leur histoire singulière la figure universelle des Vaincus. Toute l’œuvre de Karim Kal ouvre la perspective d’une nouvelle géographie humaine, par le reclassement des valeurs politiques et esthétiques selon un renversement de point de vue. Dès 2002, Vues d’Alger est l’œuvre qui contient la puissance spéculative d’un départ à partir du point même de son arrivée: Karim Kal, fils d’Algérien et de Française, né en Suisse, devient le frère d’arme des Naufragés.'
Michel Poivert. Extrait de "Karim Kal. Perspective du Naufrage'', Ed. Adera, 2010.

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Karim Kal. Gaïdi. série Les miroirs, Evry, 2009. TDR.
in Karim Kal. Perspective du Naufrage, textes de M. Poivert, Patrick Chamoiseau, Ed. Adera, 2010.

http://karimkal.neverblind.eu/

Eric Poitevin, l'homme naturel

L’exposition d’Eric Poitevin à la galerie Nelson Freeman suscite de nombreuses réflexions, tant cette œuvre, au fur et à mesure du temps, s’impose comme l'une des plus solides qu’il est donné de voir. Et qu’elle aborde l’un des grands sujet de l’époque: la nature. Devant les agencements d’images de corps aux frontières interrompues parfois, où la nudité – dans la suite des nus couchés de 2004 exposés au Plateau – est traitée sous une forme qui parvient à congédier les stéréotypes sans pour autant réduire la représentation à la singularité intime, le spectateur renouvelle son expérience de la relation aux Autres autant qu’à lui-même. La ponctuation dramatique instaurée par les crânes dans ces montages ou installations murales vous plonge sans ménagement dans une méditation sur la vanité de l’existence, ce à quoi l’œuvre de Poitevin nous a habitués depuis ces débuts. Le plus marquant dans ces assemblages d‘images est la présentation d’animaux, qu’il s’agisse du chevreau ou de l’anguille (figure du sacrifice, de la maternité, de la pénétration érotique ?) qui, en s’ajoutant aux crânes, à la question des âges de la vie (les modèles les illustrent) amplifie la dimension allégorique. A l’étage, l’impressionnant face-à-face des vues de forêts disposées tout hauteur comme des panneaux de paravent dialoguent avec deux diptyques scindant le branchage d’un arbre nu sous la neige. Au-delà des évocations japonistes, la notion de saisons, le rapport de la terre et du ciel, l’analogie des branches et des bois de cerf que l’artiste aime à photographier (le thème du trophée de chasse est central chez lui), on se souvient que les lieux fréquentés par Poitevin dans le nord de la France sont ceux qui ont été transformés par les batailles de la première Guerre mondiale, et qu'ils constituent une sorte de mémoire de l‘Histoire.

Ainsi, de l’étage au rez-de-chaussée, l’exposition établit la continuité de l’homme et de la nature. Cette question est anthropologiquement fondamentale dans les sociétés, elle n’a pu être réglée tout à fait par les théories du totémisme dont Claude Lévi-Strauss fit la critique. Elle est ici au centre de l’exposition – et peut-être de toute l’œuvre d’Eric Poitevin – comme une conjuration du dogme chrétien de la discontinuité de l’homme et de la nature.

Pour découvrir l’artiste en vidéo

Le BAL des Anonymes

Anonymes : les sujets des œuvres actuellement exposées au BAL le sont. Les noms des preneurs de vue opérant derrière l’objectif d’impartialité ne se prêtent pourtant pas à cette étiquette : Jeff Wall, Lewis Baltz, Walker Evans, Anthony Hernandez, etc… sont loin de passer incognitos. Rassemblées, leurs images sans frontières interrogent : Elles oscillent entre documentaire, art, tableaux de vie, œuvres du quotidien. En misant sur l’image latente transmuée en image de l’attente et sur l’image animée comme expression de l’immobilité, cette exposition inaugurale étonne.

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Aux origines du négatif

Du 19 octobre 2010 au 16 janvier 2011 se déroulera à la Bibliothèque nationale de France (Galerie Mansart - site Richelieu) l'exposition "Primitifs de la photographie. Le calotype en France 1843-1860". Réunissant près de 180 pièces de plus de 60 auteurs différents, cette exposition retrace la courte mais florissante carrière de la technique du négatif papier en France. Fruit de plus de deux années de travail et d'une collaboration inédite entre la Bibliothèque nationale de France et la Société française de photographie, dont près de quarante pièces de la collection figurent dans l'exposition, l'accrochage rend hommage aux acteurs des premiers développements techniques de la photographie reproductible. Le visiteur pourra ainsi découvrir à travers les sept sections de l'exposition les différents usages de la photographie qui, de l'expérimentation à la création, furent permis par le calotype. Plus de trente ans après "À l'origine de la photographie, le calotype au passé et au présent", exposition présentée alors par Bernard Marbot, c'est le retour de l'invention de Talbot rue de Richelieu, accompagnée pour l'occasion d'un catalogue, coédition BnF / Gallimard, reproduisant 250 images et pourvu d'un dictionnaire biographique de plus de 350 photographes ayant pratiqué le calotype en France.

Primitifs de la photographie. Le calotype en France 1843-1860
BnF - 5, rue Vivienne 75002 Paris
19 octobre 2010 - 16 janvier 2011
Commissaires : Sylvie Aubenas, directeur du département des Estampes et de la photographie, Bibliothèque nationale de France et Paul-Louis Roubert, maître de conférences université Paris VIII et trésorier de la SFP.
Catalogue : Primitifs de la photographie. Le calotype en France 1843-1860, Coédition BnF / Gallimard, 59 €

Le 6ème art vu du ciel de Lucie et Simon (prix HSBC 2010)

Jeunes lauréats du prix HSBC, Lucie et Simon s’exposent à la galerie Baudoin Lebon jusqu’au 24 juillet. Basculant le point de vue à la verticale, ils renouent avec les fondements de la photographie (depuis les « Points de vues » de Niépce pris de sa fenêtre mais plus encore avec les cadrages vertigineux sur lesquels s’est fondée l’esthétique moderne de la nouvelle objectivité ou, bien plus tard, avec les perspectives atmosphériques sur les œuvres du Land Art). Rien à voir pourtant avec une vue aérienne. Ici, la distance avec la scène est minimale. C’est un lien de proximité qui semble relier le spectateur aux êtres comme suspendus à la décision de son regard, devenus les marionnettes de ses propres fictions.

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Hamish Fulton Walking to Paris

Son nom est connu des amateurs d’art depuis plusieurs décennies, pourtant ce n’est que trop rarement qu’Hamish Fulton installe ses atmosphères déambulatoires dans une galerie. Sur une proposition de Romain Torri, la galerie Patricia Dorfmann, ouvre son espace au plus discret des marcheurs en proposant photographies, dessins, peintures et autres mots.

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STREETMOSPHERE : LE TOUR DU MONDE EN 80 MINUTES D’HERMINE BOURGADIER

L’événement spectaculaire du Centre Pompidou « Dreamlands » (5 mai – 9 août 2010) se devait de mettre en lumière les oeuvres emblématiques d’une société de l’entertainment. Désireux d’emprunter le vocabulaire formel des milieux qu’il représente, Martin Parr – maître de la dérision touristique - collectionne les détails et les codes bariolés d’un monde dominé par une vision médiatique, dont il s’agit de reproduire l’envers du décor. Ainsi provoque-t-il un marivaudage entre les genres (au sens de J.F de la Harpe) rejoignant le but de cette exposition hybride, fondée sur le dérivatif. Celle-ci parvient à déployer l’humour et la légèreté à partir de solides fondements historiques, développant la théorie pertinente d’une influence mutuelle des modèles architecturaux empruntés à l’utopie du divertissement sur les cités modernes ou futures. Il s’agit de mixer culture populaire et savante, œuvres et documents, histoire et contemporanéité, mentors, artistes majeurs ou émergents, … Parmi eux, Hermine Bourgadier, telle une Mata Hari de la distraction, se joint à loisir à la section « Faites vos jeux ! » où son œuvre Streetmosphere côtoie les clichés de Martin Parr. C’est dans une même démarche répétitive et obsessionnelle qu’Hermine Bourgadier, également imprégnée de l’esthétique documentaire, démasque les transes de la mondialisation.

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Rusk, Moujik IV, Hector et les autres…

Antoine Schneck, Rusk Seban, © Antoine Schneck.

Le Musée de la Chasse et de la Nature présente, jusqu’au 26 septembre, une saisissante galerie de portraits canins réalisés par Antoine Schneck. Bouledogues, bergers, nizinny, bichons, colleys, bassets, labradors, lévriers, dobermans, épagneuls, pékinois, terriers et autres meilleurs amis de l’homme – politique, culturel - se sont ainsi prêtés au jeu de l’objectif du photographe. Si la dimension ludique du projet séduira le grand public (beaucoup s’attacheront ainsi à vérifier la véracité du vieil adage « Tel maître tel chien »), sa force de cohésion provient d’abord du protocole sériel mis en œuvre par l’artiste avec une grande rigueur. Cherchant à dresser ce singulier inventaire durant deux années, il portraiture les chiens comme les humains de ses précédentes séries : semblant chaque fois poser en majesté, les traits des animaux de compagnie émergent systématiquement d’un fond noir, abstrait de l’environnement. Un projet derrière lequel on décèle un fort penchant cynophile.

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Les derniers jours de l'Éloge

Les débuts de la photographie sur papier en Italie (1846-1862) sont encore visible au Petit Palais jusqu'au dimanche 2 mai.
Plus que deux jours pour profiter de cet éloge du négatif qui met à l'honneur l'un des premiers procédés photographiques et l'Italie du milieu du XIXe siècle.













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RENAUD AUGUSTE-DORMEUIL, IN SITU

Pour sa deuxième exposition à la galerie « In Situ » (« Bigger than Life », 18.03 – 30.04.2010) Renaud Auguste-Dormeuil poursuit un questionnement socio-politique en terme de manque à représenter. Comment aborder la liaison entre voir et pouvoir ? Actuellement pensionnaire de la Villa Médicis, lauréat du prix Meurice pour l’art contemporain, le plasticien dévoile ici ses plus récentes réalisations (les œuvres exposées s’échelonnent entre 2007 et 2009), prenant un tour résolument photographique.

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LA PARABOLE DE KNORR

La ruse du renard consiste, pour sauver sa vie, à faire le mort. Simplement, il ne bouge plus. La ruse de Karen Knorr consiste à placer l’animal naturalisé dans ses photographies, lui procurant une nouvelle vie.

Ainsi, le musée Carnavalet présente, jusqu’au 30 mai 2010, un éventail de Fables réunies pour la circonstance au sein même des period rooms où est née cette série, en 2003. Cigogne, lièvre, écureuils, martin pêcheur et flamands rose…, font irruption dans les boudoirs et salons particuliers imprégnés d’histoire. Incrusté numériquement dans les décors opulents préalablement réalisés à la chambre, le renard – robe rousse et cravate blanche – n’échappe pas à ce traitement. Chez Karen Knorr, le charisme de l’image théâtrale séduit indéniablement l’œil, et prête le flanc à la théorie de Jean-Pierre Cometti pour le retour du beau dans l’art. Oui mais derrière le luxe des détails provenant notamment des tirages Lambda, c’est un tout autre roman qui fascine le spectateur. Mise en doute, mise à distance… Qu’est-ce que le bon goût ? Le genre ? Le style ? La représentation ? Comme Molière déguisant ses railleries envers le roi en excès de considération, la photographe choisit la dérision sublime. Alors, comment reconstituer une morale à cette histoire à partir de la version photographique de Karen Knorr reconstituée à partir de la version littéraire de La Fontaine reconstituée à partir de celle d’Esope ? Une telle chaîne référentielle alimente certains questionnements.

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Ghetto Biennale : un salon des refusés au 21ème siècle.


C’est un projet qui semblait impossible, particulier, extraordinaire qui prend forme en ce moment à Port au Prince. Leah Gordon*, photographe britannique, que nous avions reçue à la MEP l’année dernière, organise depuis plus d’un an une biennale d’art contemporain dans les ghettos haïtiens. Cette idée part d’un constat simple : les artistes haïtiens ont peine voyager faute de visa. Le monde occidental veut bien acquérir leurs œuvres, les exposer mais ne souhaite pas forcément leurs autoriser un temps de séjour. Alors, inversons la tendance, et invitons les artistes des pays développés à se rendre chez nous, au cœur même d’un des pays les plus pauvres et plus violents du monde.

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Colloque en ligne : Gilles Caron photographe

Les Archives audiovisuelles de la recherche nous offrent aujourd'hui la réalisation en ligne du colloque Gilles Caron organisé le 3 juillet dernier à l'Institut national d'histoire de l'art à Paris. On y retrouvera avec plaisir des témoignages et des analyses autour de la vie et de la production du photoreporter le plus intéressant de sa génération, ainsi qu'une présentation des collections de la jeune fondation Gilles Caron.Un grand merci à Margot Sputo-Mialet et à toute l'équipe des Archives Audiovisuelles de la Recherche qui démontre malgré les difficultés traversées en ce moment son rôle essentiel dans la diffusions des savoirs.

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Autour du prix Nadar : vendredi 18 mars à l'INHA

Rendez-vous vendredi 18 décembre 2009 à 18 h 30 à l'auditorium de l'Institut national d'histoire de l'art pour la présentation du Prix Nadar 2009 attribué à « La Subversion des images, Surréalisme, Photographie, Film » édité par le Centre Pompidou en présence des auteurs : Quentin Bajac et Clément Chéroux ainsi que Guillaume le Gall et votre serviteur. Rencontre présentée par Jean-Claude Gautrand, président du jury du Prix Nadar et Marc Combier.

Auditorium Colbert de la BNF Galerie Colbert 2 rue Vivienne 75002 Paris Métro Bourse ou Palais-Royal

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Synonyme de beauté : La COMTESSE DE CASTIGLIONE

Après le Musée d’Orsay (1999) et le Metropolitan Museum of art de New York (La divine comtesse, 2000) c’est à la galerie Baudoin Lebon (associée à la Galerie Beaubourg) qu’il revient de célébrer « la revanche de la Castiglione » (1837-1899) jusqu’au 23 janvier. Si ses frasques amoureuses ont éludé l’importance de son projet photographique aux yeux de plusieurs de ses contemporains, la valeur prophétique de ses portraits révèle à présent la pertinence de son « Je » artistique. C’est dans ses plus beaux atours qu’elle se découvre peu à peu sous les « voiles » photographiques de Pierre Louis Pierson, pendant plus de quarante ans. Contemplant ces tableaux vivants, on y voit alors moins la courtisane italienne - maîtresse de Napoléon III - que la femme captive d’une image où l’être et les angoisses métaphysiques affleurent au contact du paraître. Bien que la personnalité de la comtesse suscite encore des réactions contrastées - entre panégyrique et critique acerbe de sa « vanité » – la valeur artistique de ces portraits semble maintenant faire l’unanimité.

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Geert Goiris : “Imagine there’s no countries”

Faisant écho à l’hymne rêveur de John Lennon enregistré en 1971, l’exposition monographique de Geert Goiris présentée au Crédac (Ivry) consolide son intention d’extrapolation documentaire, développée depuis 2000 avec la série éclectique « Résonance ». Différentes vues - toutes réalisées à la chambre - ont été prélevées ça et là, offrant un éventail de ses productions. Les œuvres présentées jusqu’au 8 novembre fondent la cohésion de ce travail autour des terres de mirages, propices à d’étonnants phénomènes visuels. Présentée pour la première fois en France, la collection de « Whiteout» restitue notamment une expérience optique hors du temps et de l’espace.

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LES « CHRONOGRAPHIES » DE VERA LUTTER

  

© Vera Lutter - Courtesy galerie Xippas

En renouant (depuis 1994) avec le dispositif de prises de vue ancestral de la « camera obscura », Vera Lutter est parvenue à dégager de la cacophonie visuelle de nos environnements urbains autant d’atmosphères éthérées et vaporeuses. Ainsi condense-t-elle patiemment les « écritures du temps ». La scène parisienne lui offre enfin la place qu’elle mérite alors qu’elle bénéficie déjà d’une reconnaissance internationale (exposée ces derniers temps à Los Angeles, New York, Berlin, Bâle ou Milan). Proposant un flash back sur ces dix dernières années, la galerie Xippas y contribue (jusqu’au 24 octobre). L’accrochage « elles@centrepompidou » présente, dans le même temps, l’une de ses œuvres les plus monumentales.

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Radical Nature V (In)Habitable

Regain d’intérêt dans le monde de l’art sur l’idée de nature. Non que cette préoccupation soit nouvelle, mais les enjeux sont différents. Face à la montée des problèmes écologiques et l’apparition des nouvelles sciences, cette dernière prend une toute autre tournure. C’est ce que proposent d’interroger simultanément, et encore pour deux semaines, l’exposition parisienne (In)habitable ? l’art des environnements extrêmes dans le cadre du festival @rt outsiders à la Maison Européenne de la photographie* et le show londonien Radical Nature : Art and Architecture for a Changing Planet 1969-2009 à la Barbican Art Gallery**. Les deux évènements, afin de répondre à cette problématique environnementale, font appel aux nombreux médiums, allant de la photographie au film en passant par l’installation sonore ou la performance.

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Gilles Saussier, chamanisme documentaire

Le temps a manqué au printemps dernier pour dire ici l’émotion qu’a suscité en moi l’exposition des portraits extraits de Living in the Fringe (édition Figura, Paris, 1998) signés Gilles Saussier à la galerie Zücher à Paris (16 mai-24 juin). Mais ce contretemps ne fait que répondre au temps différé de l’exposition d’images réalisées en 1995-1996 et jusqu'alors rarement exposées.

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« La subversion des images » : faire le jeu d’une révolution.

Jusqu’au 11 janvier, la cohésion de près de 400 œuvres habilement rassemblées sous le dénominateur commun d’une sédition iconographique, révèle la prodigalité des collections du Centre Pompidou, exceptionnellement accompagnées par certains fonds internationaux jusqu’alors inédits. Phares et chevilles ouvrières plus confidentielles de l’image s’y rencontrent. « La table de montage » est au cœur de cette révolution pourtant mâtinée d’un esprit de filiation avec les productions antérieures. Provoquant à coup sûr « l’étincelle » évoquée dans le Manifeste de 1924, les rapprochements font jaillir une « lumière particulière, (celle de) l’image, à laquelle nous nous montrons infiniment sensibles ».

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Yanwu Yuan : ex-votos du singulier

La galerie Dix9 propose à partir du 4 septembre la première exposition de l’artiste chinoise Yanwu Yuan intitulée Youth Self portrait (Part 1). Occasion de s’interroger sur un travail émergent et peut être symptomatique du rapport d’une génération de photographes chinois aux prises avec son histoire.

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ERWIN OLAF… POINT DE SUSPENSION

Après la monographie d’Erwin Olaf publiée chez Aperture fin 2008, le public attendait une première rétrospective française d’envergure pour conforter son engouement. C’est chose faite avec ses récentes séries aseptisées et sibyllines bien intégrées aux appartements raffinés de l’Institut Néerlandais jusqu’au 5 juillet. Marquant le sceau d’une rupture dans sa carrière de plasticien amorcée en 1988, elles assurent l’efficacité de son virage stylistique, où se cisèle une « chorégraphie des émotions », questionnant les sens au regard de l’apparence, le temps d’une pause…

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L’ART PUISSANCE SECONDE D’ERIC RONDEPIERRE

© Éric Rondepierre - Duel (Parties communes) Ilfochrome sur aluminium, 100 x 133 cm 2005-07

Fusionnant les médiums (cinéma / photographie) et les temporalités, Eric Rondepierre peaufine, depuis les années 1990, un vaste chantier de dissection d’images les déplaçant d’un cadre à un autre selon le principe du remontage. Pour ceux qui n’auraient pas vu sa rétrospective berlinoise l’an passé, la Fondation Ecureuil (Toulouse) offre une séance de rattrapage, enrichie d’une toute nouvelle série (2008) que l’on a plaisir à découvrir jusqu’au 25 avril. Avec l’exposition « Images Lumière », le pari du commissaire Denis Riout était double : surenchérir dans la convocation du regard à 200 % sans esquiver l’unicité d’une approche chronologique. Challenge réussi.

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Marina Abramovic, IRRESISTIBLE

Marina ABRAMOVIC, Vittoria, Photographie couleur, 125 x 125 cm, Ed. 1/5 + 2 EA, 1997, courtesy Serge Le Borgne.

Préliminaire de l'exposition "Marina Abramovic" à venir au MOMA en 2010 ? Ou bien avant-goût de l'Institut des Arts de la Performance qui devrait ouvrir ses portes dans l'Hudson en 2012 ? La galerie Serge Le Borgne propose une exposition biographique sur une icône du Body Art. Mais il ne faut pas s'attendre à voir de performances en ces lieux. Seuls les nombreux témoignages photographiques des actions de Marina Abramovic, ainsi qu'une vidéo de 2005, l'Oignon, sont visibles.

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Les vidéo-mimodrames de Ghazel à la Maison Rouge

© Ghazel, extrait de "Me 2003-2008".

La vidéo est employée par Ghazel dans sa forme brève: efficace, elliptique aussi. Une figure muette, toujours la même, vient y performer une scène. Cette figure est celle de la femme traditionnelle iranienne. Ghazel s’approprie donc le stéréotype auquel elle a été assimilée après la révolution théocratique. Mais pas plus que sa mère qui a connu le temps de l’émancipation, elle ne confond le costume et l’esprit libre qu’il recouvre.

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Edith Roux. Entretien avec Larisa Dransky 1er avril 09

Vous êtes cordialement invités au prochain entretien de la Société française de photographie le 1er avril 09. Larisa Dryansky recevra Edith Roux à 18h dans l'auditorium de la Maison européenne de la photographie.
Entrée libre, sans réservation
5-7 rue de Fourcy. 75004 Paris

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©Edith Roux, Walled Out, 2005-2007.TDR

Comme l'indiquent les titres de ses séries - Dreamscape, Underscape, Euroland -, Edith Roux conçoit ses paysages urbains et périurbains à la façon de montages. Hybridant l'approche documentaire avec la technologie numérique, ses images traitent de la redéfinition de l'espace naturel dans le contexte contemporain. Ses récents travaux (photo et vidéo) se penchent plus spécifiquement sur le thème des gated communities et la société de surveillance. Les œuvres d'Edith Roux ont fait l'objet de plusieurs expositions et publications dont Dreamscape (texte de Paul Ardenne, Images en Manœuvres Éditions, 2004) et Euroland (textes de Guy Tortosa et Gilles Clément, Sujet / Objet Éditions, 2005).


Géant qui vient, à propos de la chaussure de Patrick Tosani

Patrick Tosani, #Moitié I, 2009, 240 X 540 cm, C. print, courtesy galerie C. Papillon, Paris.

Est-ce parce que l'époque fait de la chaussure un usage politique que celle de Patrick Tosani a fait sensation lors du salon Art Paris au Grand Palais ? Cette immense chaussure n’est pas tout à fait une image, ni tout à fait une sculpture. Quatre parties la constituent, blocs hauts de 2.40 mètres et long en tout de 5.40 mètres sur les bords desquels se retourne le tirage photographique sans interrompre la continuité des parties de l’image lorsqu’elles s’assemblent. Des objets-images qui s’inscrivent dans la filiation des derniers travaux de Tosani, des photographies montrant des structures sur lesquelles sont projetées des photographies et parmi lesquelles apparaissaient sous une forme fragmentée la chaussure (mais aussi un pieds nu formant arcade). Il ne s’agit plus ici de l’image d’une projection mais bien d’un objet photographique, une sorte de conciliation par adhérence de la structure et de la peau de l’image.

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La Sorbonne en grève accueille Jean-Luc Moulène le 18 mars

La Pantinoise. Paquet de cigarettes rouge. France, usine des tabacs de Pantin (Seine-Saint-Denis), Seita, 1982-1983. Courtesy galerie Chantal Crousel, Paris © Jean-Luc Moulène - ADAGP, 1999.

Suite des rendez-vous photographiques qui s'inscrivent dans le cadre des séminaires et cours alternatifs durant la grève des universités. Mercredi 18 mars à 14h00, Jean-Luc Moulène sera l'invité de Michel Poivert (Université Paris 1) qui sera également entouré de Paul-Louis Roubert du collectif F8 (université Paris 8) pour parler des Objets de grève et plus généralement du rapport de la grève à l'image. Rendez-vous à l'Institut d'art et d'archéologie 3 rue Michelet Paris 6eme (RER Port-Royal). Cet entretien sera suivi d'une rencontre entre l'artiste Pascal Convert et l'historien d'art et critique Philippe Dagen( Paris 1).

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Yang Yi photographe invité le 11 mars par la Sorbonne en grève

Yang Yi, Piéton sur une passerelle au-dessus de la route de la Réception de la Divinité, 2007, Lambda-print 100x70 cm, galerie DIX9, Paris

Alors que le photographe chinois se rend à Paris pour la première fois à l'occasion de son exposition à la galerie DIX9, il est l'invité du contre-séminaire de Michel Poivert à l'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. La rencontre aura lieu à l'Institut national d'Histoire de l'art le 11 mars à 10h00, 6 rue des Petits-Champs (Paris 2) salle Perrot (second étage). L'artiste présentera en présence d'un traducteur son travail intitulé Uprooted (Déraciné) sur les villes englouties par la construction du barrage des Trois Gorges sur le fleuve Yangtsé.

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DU BEAU TRAVAIL ! La Sorbonne en grève reçoit Alexis Cordesse le 3 mars

Alexis CORDESSE et Zoé VARIER Du Beau Travail! La Manufacture, CDN Nancy Lorraine, Nancy. Du 12 au 22 octobre 2005.

UNIVERSITE PARIS 1 PANTHEON-SORBONNE INSTITUT D’ART ET D’ARCHEOLOGIE – AMPHITHEÂTRE 3 rue Michelet – 75006 PARIS Station RER PORT ROYAL

DANS LE CADRE DE LA GRÈVE ACTIVE DES UNIVERSITÉS

MARDI 3 MARS 2009 à 10h00

Michel POIVERT reçoit Alexis CORDESSE, photographe, à propos de l’œuvre réalisée avec Zoé VARIER : DU BEAU TRAVAIL !

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Aimez-vous Frank ?

Pull My Daisy Robert Frank et Alfred Leslie États-Unis, 1959, 27' © Robert Frank

Il y a foule pour admirer l'exposition Robert Frank au Jeu de Paume, à Paris. La présentation du portfolio Les Américains, par sa célébrité dans l'histoire de la photographie, explique probablement cet engouement. Mais on peut également y voir les images, pour certaines d'époque et bien rares, des vues de Paris produites au tournant des années 1950. On peut aussi y regarder deux films projetés en salle et assister à des séances offrant la filmographie de l'artiste. Un peu comme dans la musique rock, la photographie a aujourd'hui ses figures à la fois légendaires mais toujours vivantes, qui nous donnent un autre sentiment de l'histoire. Les Américains constituent un moment inaugural et indépassable chez Frank, mais cette absolue réussite a peut être été l'occasion de tourner le dos à l'idée même de carrière et au désir de reconnaissance : la célébrité comme un souvenir.

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TERRITOIRES SENSIBLES : SOPHIE RISTELHUEBER AU JEU DE PAUME

Sophie Ristelhueber, Fait # 20, 1992 tirage argentique couleur et noir et blanc monté sur aluminium, avec cadre ciré or, 100 x 127 x 5 cm édition 3/3, collection de l’artiste © Sophie Ristelhueber / ADAGP, Paris, 2009

Le Jeu de Paume propose une exposition d’envergure consacrée à Sophie Ristelhueber qui, depuis les années 1980, poursuit une réflexion autour des territoires de conflit. Elle ne constitue pas une rétrospective, mais plutôt un réseau d’association d’œuvres qui fonctionnent par glissement sémantique. Enchevêtrant l’intime au collectif, le corpus choisi permet d’interroger la notion de frontière, en déplaçant le caractère documentaire vers une approche poétique. Dans cet univers peuplé de barrages et de traces temporelles, Sophie Ristelhueber a voulu « laisser respirer le spectateur ». L’accrochage est souvent aéré, la forme en symbiose avec le propos. Alors que la série Fait juxtaposée de façon régulière prend des allures de wall drawing, la disposition en contrebas des Vulaines capture le champ de vision du spectateur, directement immergé dans l’image.

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TOURS DE PASSE-PASSE DE VALERIE BELIN

    

Alors que ses rétrospectives fleurissent un peu partout en Europe (dernièrement au Musée de l’Elysée, Lausanne), Valérie Belin réserve la primeur de ses nouvelles créations à la scène parisienne. Jusqu’à la fin du mois, la galerie Jérôme de Noirmont et le musée d'Orsay jusqu'au 1er février (Correspondances Belin / Manet) essaiment des oxymores photographiques qui marquent une nouvelle étape de son œuvre (passage de l’indiciel à l’iconique, de l’objectif à l’onirisme, de la pétrification des corps à l’introduction du mouvement) tout en gardant un ancrage aux origines de son travail (intérêt pour la nature morte et le noir et blanc), formant une boucle temporelle. Focus sur une illusionniste de la photographie.

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Regarder de plus près: à propos des "Expérimentations photographiques en Europe des années 1920 à nos jours"

Savamment disséminées au sein des collections permanentes du Centre Pompidou, les «expérimentations photographiques en Europe des années 1920 à nos jours» évoquent la portée d’un art qui, «sur un mur, agit tout à fait différemment que dans un livre ou une revue» (Brassaï, Lettre à Peter Pollack, 1954). Rafraîchis au contact de la cimaise, les détails de craquelures transfigurés par l’objectif de Brassaï apparaissent sublimés, comme placardés à même la surface qu’ils redoublent. A l’instar des photographies d’Eric Rondepierre qui ponctuent l’une des huit salles du musée consacrées à ce parcours, les images présentées nous invitent à regarder de plus près…

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Zoe Strauss: "America"



















© Zoe Strauss.

La galerie Bruce Silverstein à New York présente actuellement une exposition de l’américaine Zoe Strauss, photographe basée à Philadelphie. Elle coincide avec la publication de son premier ouvrage monographique, "America", sélectionné par Artforum dans sa liste des Best Books of 2008.

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« ANIMA(L) »


Olivier Richon. "Portrait of a monkey with books", 2008
C-print
Courtesy Galerie Bendana-Pinel

L’exposition d’une dizaine de photographies d’Olivier Richon à la galerie Bendana-Pinel réactualise la querelle philosophique du XVIIème siècle connue sous le vocable de « querelle des bêtes ». L’animal est-il doué de raison ou au contraire est-il une ‘machine’ comme le prône la théorie cartésienne ? Sans apporter aucune réponse, Olivier Richon s’interroge simultanément sur le vol de l’âme par l’appareil photographique transformant alors l’être en objet. Lorsqu’il capte l’image de l’animal, le réduit-il ainsi à un sujet inanimé, le transforme t-il comme il aime à le dire en une ‘sculpture’?

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Diane Arbus, de la presse à l'œuvre


À voir à la Kadist Art Foundation jusqu’au 8 février 2009 Diane Arbus, rétrospective imprimée 1960-1971. Première rétrospective Arbus à Paris depuis près de 30 ans, cette exposition présente uniquement les travaux d’Arbus publiés en collaboration avec des magazines comme Harper’s Bazaar, Esquire, Nova et The Sunday Times Magazine, publications constituant le réservoir, entre autres, de quelques unes des plus célèbres images de l'artiste. S’appuyant sur une collection entièrement privée, cette rétrospective est une occasion unique de pouvoir découvrir dans son format et son contexte de publication original un travail qui est loin d’avoir livré toutes ses clés.

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Anne-Marie Filaire : les sédiments de l'Histoire

Jusqu'au 19 décembre, la galerie Eric Dupont à Paris propose "Phnom Penh Périphérie", un accrochage consacré au travail photographique qu'Anne-Marie Filaire a réalisé au Cambodge en 2002. L'œuvre de cette artiste, que nous avions rencontrée lors d'un séminaire où elle avait projeté son film Enfermement, explore ici la cité martyre du polpotisme. Comment se présente une ville que l'on a vidé de sa population et qui revient à la vie après quatre ans (1975-1979) d'un régime terrible ? Une vingtaine d'années plus tard, Anne-Marie Filaire constate avec de grandes images en noir et blanc les traces du passé. Il s'agit d'un regard apaisé et perçant qui révèle les sédiments de l'histoire.

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Rencontre avec l'Oeil Public, la revue.

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Vous êtes cordialement invités à l'entretien de Guillaume Herbaut et l'équipe de la revue l'Œil public par Michel Poivert, organisé par la Société française de photographie à la Maison européenne de la photographie le mercredi 3 decembre 2008 à 18h, entrée libre sans réservation.


"En 1995 est fondée l’agence photographique L’Œil Public, devenue depuis lors emblématique de nouveaux collectifs de reporters exigeant à la fois une entière liberté d’expression et une reconnaissance de leur engagement politique et social. L’année 2007 a vu naître le premier numéro de leur revue annuelle Œ La Revue de l’Œil Public, malheureusement trop peu diffusée (suite)"


Maison Europeenne de la Photographie. 5/7 rue de Fourcy. 75004 Paris.

Point du Jour, Cherbourg de nuit

Nombre d’officiels avaient fait le voyage de Cherbourg pour inaugurer le centre d’art consacré à la photographie dont le nom Le Point du Jour centre d’art éditeur porte la marque de la maison d’édition qui lui a donné naissance. Militant et forçant la bienveillance, le projet fait la synthèse des aides publiques et des expérimentations artistiques. Le résultat consiste en un bâtiment d’architecte (Éric Lapierre) au format d’une vaste maison agencée en grands volumes intérieurs s’ouvrant sur la ville, l’école des beaux-arts et sa chapelle qui en sont voisines.

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« Voir les cathédrales de la terre »

Dans le cadre de son partenariat avec l’université Rennes 2 Haute Bretagne, la Société française de photographie organise du 13 novembre 2008 au 9 janvier 2009 une exposition de photographies intitulée : « Voir les cathédrales de la terre ». Photographies de montagne dans les collections de la Société française de photographie.

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Première édition du Prix Pictet

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Courtesy Prix Pictet, 2008. Chris Jordan, Refrigerator on Franklin Avenue, New Orleans . Series: In Katrina's Wake: Portraits of Loss from an Unnatural Disaster. New Orleans.TDR

Evènement suffisamment remarquable pour être mentionné, le Palais de Tokyo présente du 29 octobre au 8 novembre les 18 finalistes du Prix Pictet, sélectionnés par un comité de 49 experts, de pays différents, réunis pour mettre en valeur plusieurs travaux photographiques sur le thème de l’eau et du développement durable. Au-delà de la politique de sensibilisation et de l’engagement, issu d’un partenariat prometteur entre une banque privée, la ''Pictet & Cie" , et un magazine économique, le "Financial Times", les organisateurs ont souhaité ne pas faire de distinction entre les messages transmis et la volonté de faire « acte artistique » au sein d’images aussi pertinentes que variées. L’exposition offre ainsi l’occasion de faire le point sur les différents langages, signes et usages, du paysage en photographie, qui s’édifie et se construit sur les mutations de notre environnement urbain.

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D’une révolution à une autre

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Jeremy Deller, Folk Archive, Skull Crash Helmet, by Stuart Hughes, Bikeart, Charlton, London, 2000.TDR

D’une révolution à une autre n’est pas en soi une exposition de photographies de l’artiste britannique Jeremy Deller, commissaire invité pour cet événement, cependant les clichés occupent une place importante dans l’espace d’exposition. Issu d’une formation en histoire de l’art au Courtauld Institute et à l’université de Sussex à Brighton, Jeremy Deller n’est donc pas un plasticien ou artiste « de formation » comme ses contemporains les Young British Artists. Il ne définit pas de hiérarchie entre les arts et les objets usuels, le marchand et le commun, son seul but étant de former des archives illustrant son discours. C’est donc avec grand plaisir que nous pouvons revoir sa Folk Archive, achetée récemment par le British Council, constituée d’un groupement d’artéfacts attestant de la pérennité des folklores dans la période actuelle en Grande Bretagne (1)

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Pierre Cordier au Centre Georges Pompidou

Le département des arts graphiques du Musée national d’art moderne présente jusqu’en mars 2009 l’accrochage des nouvelles acquisitions photographiques pour la période 1905-1960 (5eme étage, salle 32).

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Hesse et Romier : banquet érotique

  

Si ce soir vous êtes du côté de Montélimar, faites donc un tour au château des Adhémar, vous y dégusterez une "Duchesse Vanille". Qu'est-ce au juste ? Réponse de Cécile Hesse et Gaëlle Romier :

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Objectivités à Düsseldorf : des vestiges au prestige

L’exposition « Objectivités » que le musée d’art moderne de la ville de Paris consacre à « la photographie à Düsseldorf » est avant tout une exposition historique. Des années 1960 à nos jours, elle propose d’observer le destin d’une pléiade d’artistes regroupée autour de la notion d’école. Ce sont notamment « les élèves des Becher » (Bernd et Hilla), comme l’on dit, qui nous sont donnés à voir mais aussi une époque qui montre le passage d’un temps des expériences à celui d’un académisme de l’art contemporain.

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Monique Deregibus : formes de la fatalité

  

Dans le cadre de Septembre de la photographie à Lyon, Monique Deregibus propose l’exposition « Aux habitants des villes » au centre d’art de Saint-Fons. L’ensemble se compose d’images extraites de son imposant travail publié sous la forme d’un livre – "Hôtel Europa" – ainsi que d’une série inédite consacrée à Las Vegas. Les grands tirages d’Hôtel Europa se distribuent en deux ensembles « topographiques » : les vues de Sarajevo et celles d’Odessa auxquels s’ajoute l’unique image (un wagon ouvert, faisant fenêtre sur l’infini) réalisée à Marseille. Lors d’une conversation organisée à l’École nationale supérieure de Lyon, l’artiste expliquait comment, pour une exposition, elle choisit à l’intérieur du livre des images qui lui permettent de « tirer un fil » qui, par le jeu des associations dans l’espace, permet d’affirmer un propos. Alors, quel « fil » est ainsi tendu à Saint-Fons ?

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(Nouvelle) Correspondance oblique - Stanislas Amand

Après avoir participé à l'été photographique de Lectoure, à l'initiative de la galerie "Le bleu du ciel" et dans le cadre de "Lyon, septembre de la photographie", Stanislas Amand expose à l'École normale supérieure (LSH) ses Lettres à une galeriste. À cette occasion et jusqu'à la fin du mois d'octobre Stanislas Amand reprend sa Correspondance oblique sur ViteVu et y "enverra" une lettre par semaine.

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Hermine Bourgadier, les caprices de la défaite

Hermine Bourgadier propose trois brefs ensembles de photographies chez Schirman & de Beaucé à Paris. L’artiste continue de s’intéresser à son thème fétiche, l'univers des jeux, qu’elle explore depuis quelques années avec, notamment, les turfistes, les combats de coq et les jeux vidéo dont la série intitulée Street fighters qui l’a fait connaître en 2006. Adepte d’une forme d’anthropologie poétique, l’artiste sonde le rapport entre l’espérance individuelle et les formes ritualisées du risque. Il faut pour cela des images du monde tel qu’il s’organise dans l’esprit de ceux qui croit en leur chance. Des images d’espoir et d’échec.

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Cartier-Bresson / Walker Evans : confession d'un impatient

La Fondation Henri Cartier-Bresson présentera à partir du 10 septembre une exposition proposant une lecture croisée de l’œuvre de l’artiste et de celle d’une autre figure éminente du siècle, américaine celle-ci : Walker Evans (disparu en 1975). Cette proposition soulève de multiples questions, historiques, esthétiques et même humaines, toutes passionnantes alors que de tels personnages semblent définitivement intouchables, fruits l’un comme l’autre d’une reconnaissance précoce par le MoMA de New York qui en a fait les figures tutélaires d’une photographie assimilée aux plus hautes exigences de l’art moderne. N’assiste-t-on ici qu’à la mise au carré des chefs d’œuvre, ou bien cette confrontation s’inscrit-elle dans une vaste opération de relecture de l’esthétique Cartier-Bresson ?

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La photographie à la New York Public Library et l’exposition "Eminent Domain"

image Crée en 1980, avec pour mission de rassembler dans un seul et unique département l’ensemble colossal des images conservées dans les diverses sections de la New York Public Library, le département de photographies de la bibliothèque possède aujourd’hui environ 400.000 images, qui s’étendent chronologiquement des toutes premières années du medium jusqu’à nos jours.

Trésor de la photographie documentaire américaine, le département possède de nombreuses photographies relatant l’histoire de la ville de New York, en particulier de la première moitié du XXe siècle. On relève ainsi parmi les corpus les plus importants les photographies de Lewis Wickes Hine ou encore Berenice Abbott. En outre, le département est particulièrement riche des documents produits au sein des grands projets ou associations de photographes des années 1930 et 1940, tels que la Work Progress Administration, la Federal Art Project Administration, la Farm Security Adminitration, ainsi que les images de l’organisation progressiste de la Photo League. Enfin, le département n’a, en matière de photographies du XIXe siècle, rien à envier aux plus prestigieux musées. Ainsi peut-on consulter les vues architecturales et topographiques d’un Maxime Du Camp, Timothy O’Sullivan, William Henri Jackson ou encore Carleton E. Watkins.

L’année 2000 a vu le département de photographies entamer une nouvelle politique active d’acquisition de photographies des années 1950 à nos jours. Un don de Edwin A. Malloy a ainsi permis l’achat de quelques 26.000 clichés du photographe new-yorkais Dylan Stone documentant, building après building, la partie sud de l’île de Manhattan, située sous le quartier de Chinatown. En 2003, un legs de Leroy A. Moses, d’un montant de deux millions de dollars, a permis l’acquisition de nouvelles photographies contemporaines venant enrichir la collection du département. C’est grâce à ce dernier don que l’exposition "Eminent Domain: Contemporary Photography and the City" a été rendue possible.

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Avedon, artiste des années 80

Pour ma génération, la découverte d’Avedon au seuil des années 1980 correspondait avec la première diffusion de son œuvre "In the American West". Tant et si bien que le génie s’était imposé d’un coup, et définitivement. Si l’on savait bien que ce photographe américain avait derrière lui une réputation plus que sérieuse dans le domaine du portrait et de la mode, ce que l’on découvrait de lui - associé à une forme de dandysme véhiculé par la revue chic Égoïste - comblait une sorte de désir de voir concilier le sélect et l’intransigeance. D’immenses portraits de travailleurs de l’Amérique profonde traités avec l ‘amplitude que l’on réserve aux « grands sujets » venaient peupler l’imaginaire des années « paillettes ».

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La photographie timbrée

Plus que deux jours pour profiter de « L’inventivité visuelle de la carte postale photographique au début du XXe siècle ».

Fin de l'exposition dimanche 8 juin au Jeu de Paume/Hôtel de Sully, Paris.

Le point de vue de Rémi Parcollet:

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Le calotype anglais privé de magie

Pour qui compte découvrir le mystère et la beauté du calotype britannique avec l'exposition intitulée L'image révélée ouverte aujourd'hui au musée d'Orsay (jusqu'au 7 septembre), le risque est grand d'être déçu. L'aréopage du commissariat a pourtant de quoi impressionner, avec pas moins de quatre éminents collègues, anglais, américains et français, des collections prestigieuses (Edimburg, Metropolitan, Bradford et aussi Société française de photographie...) et au-delà de Talbot, Fenton, Hill et Adamson, de vraies découvertes telles que William Collie ou Arthur James Melhuish. Alors d'où vient cette impression que le rapport à l'original ne correspond pas tout à fait à la représentation que l'on s'en fait au travers des livres et des sites internet ?

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ANIELLO BARONE Il Magnifico Orrore (L’Horreur Magnifique)

La galerie Pièce Unique, en collaboration avec les Incontri internazionali d’arte, présente actuellement « L’Horreur Magnifique », une exposition d’Aniello Barone. Le travail de ce photographe italien est consacré à l’urgence des déchets qui ont envahi les banlieues de Naples. Le sujet abordé par Barone n’est pas des plus simples à traiter : Naples a été longtemps représentée par les médias à travers les clichés d’une image misérabiliste et dégradée. Comment donner représentation à un tel échec social et environnemental sans tomber dans la rhétorique de l’image choc ? Comment construire un discours en images qui sache se détacher des lieux communs et des instrumentalisations politiques ?

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Voir/Ne pas voir l’Occupation

La polémique déclenchée par l’exposition « Les Parisiens sous l’Occupation » consacrée aux photographies d’André Zucca (1897-1973) à la bibliothèque historique de la ville de Paris (BHVP) épingle le trop beau rôle donné à un photographe « collabo » dans le témoignage du Paris occupé. Elle peut s’expliquer de plusieurs manières. Le manque de pédagogie d’abord, avec trop peu de renseignements donnés dans l’exposition lors de son ouverture – désormais on peut y lire un « avertissement » - et qui traduit plus profondément un manque d’élaboration scientifique. Mais aussi le malaise ressenti face à une iconographie en contradiction avec notre culture d’une période difficile de l’histoire. Pourquoi, alors que l’on a pu voir en France des expositions consacrées à la photographie durant la guerre d’Algérie, aux images des Camps ou bien encore des expositions consacrées au rôle de la photographie dans l’histoire (notre titre faisant ici référence à l’exposition Voir/Ne pas voir la guerre), pourquoi un certain « savoir faire » reposant sur un conseil scientifique, un catalogue développé, des médiateurs parfois, pourquoi l’exposition consacrée à l’Occupation a-t-elle choisi de faire l’économie d’un tel outillage ?

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Léon Gimpel, les audaces d'un photographe : derniers jours


Musée d'Orsay - Galerie de photographie
jusqu'au dimanche 27 avril 2008


Exposition coproduite par le Musée d'Orsay et la Société française de photographie
Avec le soutien de la Fondation Neuflize Vie pour la photographie

Il vous reste encore quelques jours pour aller visiter l’exposition « Léon Gimpel, les audaces d’un photographe » au Musée d’Orsay.

Léon Gimpel (1873-1948) réalise ses premières photographies en 1897. Alors que la plupart des photographies de Lartigue retiennent les plaisirs de la bourgeoisie et que les images d’Atget immortalisent un Paris sur le point de disparaître, Gimpel se concentre sur d’autres aspects de la modernité de son époque. Équipé d’un appareil Gaumont, il laisse libre cours à sa curiosité d’amateur, réalise des reportages photographiques pour le journal L’Illustration et systématise l’enregistrement sériel à des fins de vulgarisation scientifique. À travers ces diverses pratiques photographiques, Gimpel produit des images aux formes nouvelles qui représentent le développement de l’aéronautique, la vie quotidienne de la Belle Époque en couleur ou encore l’évolution d’un Paris nocturne qui s’éclaire désormais au gaz néon. L'exposition présente environ 180 photographies – autochromes et plaques de projection - provenant des collections de la SFP et des collections du musée d'Orsay, grâce à une acquisition récente. Afin d'illustrer son travail pour la presse, ses images sont mises en lien avec des extraits de la revue L'Illustration. Très fragiles et difficiles à éclairer, les autochromes et les plaques de projection sont rarement montrés dans les expositions de photographie. Afin de rendre cette exposition possible, un système particulier d'encadrement et d'éclairage des plaques a été conçu, en lien avec des restaurateurs spécialisés et les conseils de l'Atelier de restauration de photographie de la Ville de Paris. Le montage utilisé permet d'éviter les manipulations directes et répétées des plaques de verre tout en permettant un accrochage dans des caissons lumineux (lumière froide).


Commissaires : Dominique de Font-Réaulx, conservateur au Musée d'Orsay, Thierry Gervais, Société française de photographie.

Scénographe : Giuseppe Caruso

Horacio Coppola, fotografo porteño

Pour sa réouverture partielle, la FundaciónTelefónica présente l’œuvre photographique, et dans une moindre mesure cinématographique, d’Horacio Coppola. Natif de Buenos Aires, Coppola s’impose comme une figure caractéristique des échanges artistiques et culturels qui firent de cette ville un relais essentiel entre l’Amérique latine et l’Europe. Cette première exposition rétrospective en Espagne accorde toute son importance à la capitale argentine que le photographe sut saisir sous divers angles. Motif central de sa démarche, la metropolis porteña obéit aux mêmes caractéristiques que ces villes européennes qu’on associe à la Nouvelle Vision. 125 épreuves et 4 films permettent de situer la démarche de Coppola dans ce contexte.Des voyages qu’il effectua en Allemagne, en Angleterre, en France ou encore en Hongrie se détachent des séries d’images plus volontiers centrées sur des motifs « anecdotiques ». Semblant retenir l’attention du photographe pour leurs valeurs formelles, on découvre un mannequin dans une vitrine de Berlin, des ombres dessinées au coin d’une rue de Budapest ou encore, parmi les films projetés, Un dique del Sena, datant de 1933-1934, rappelant cette série de Germaine Krull sur les clochards de Paris. Autant de détours et d’échos qui contribueraient à restreindre les images d’Horacio Coppola à celles d’un émule des courants européens.

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La maison hantée, Georges Rousse et Valérie Belin à la MEP

La Maison européenne de la photographie (MEP) à Paris présente depuis le 8 avril deux expositions consacrées aux artistes français Georges Rousse et Valérie Belin. C’est l’occasion de regarder, de manière croisée, deux œuvres qui mettent en jeu notre perception de l’espace et de l’Autre. Ces images jouent sur le doute qui nous saisit dès lors que la représentation est aux prises avec l’illusion - alors même que l’image photographique permet de scruter au plus près son sujet. En un mot, deux œuvres qui opèrent sur la fascination objective. L’idée de rapprocher ces deux artistes donne à la programmation de la MEP quelque chose de plus radicale qu’à l’habitude, par la force même des œuvres mais aussi par les correspondances qu’elles suscitent. Ces deux artistes, bien que de générations différentes, incarnent une certaine position de la création française : à la fois spéculative et classique.

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Carole Fékété : La Table mise

Il vous reste quelques jours pour observer Les Singes dans La Vitrine de la Société française de photographie (71 rue de Richelieu, Paris), mais vous pouvez prolonger la découverte de l’œuvre de Carole Fékété avec La Table, monumentale image (210 X 176 cm) datée de 2001-2003, tout récemment accrochée à l’Institut national d’histoire de l’art (2 rue Vivienne, 1er étage). Ce dépôt d’une œuvre contemporaine inaugure, espérons-le, une réelle politique de collection qui donnera à l’Inha le charme du Courtauld Institute of Art de Londres.

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Jean-Luc Moulène: passage au long de l'art

L’objet que livre Jean-Luc Moulène à la suite de l’exposition «Jean-Luc Moulène opus 1995-2007 / documents 1999-2007» au Culturgest de Lisbonne (sept-nov. 2007) est bien autre chose qu’un catalogue. Moulène y parle à l’évidence le langage des signes – par gestes donc, c’est-à-dire des signes corps comme on parle du corps d’une typographie (ce à quoi renvoient d’emblée la première et la quatrième de couverture : des lettres en un certain alphabet assemblées). L’artiste nous prévient : avec ces signes-là, nous sommes des Initiés. La magie du monde moderne nous appartient.

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Michèle Sylvander : à propos de In God We Trust

A Lisbonne, la galerie Luis Serpa Projectos propose actuellement une exposition de pièces récentes de l’artiste française Michèle Sylvander. Et notamment une seconde version de In God we Trust (2006). Sans être un familier de l’œuvre de Michèle Sylvander, on peut dire que l’on retrouve dans cette installation les ressorts qui animent nombre de ses travaux. Et, parmi ces ressorts celui de l’ambiguïté des genres comme de la condition mystérieusement politique de la femme s’impose. Pour en formaliser la complexité, il a fallu travailler les enjeux mêmes de la représentation afin de dévoiler en elle tout ce qui se joue dans les entrelacs du regard social et de la conscience de soi. J’ai donc proposé à Michèle Sylvander de réaliser cet échange épistolaire pour tenter d’approcher une œuvre encore au travail.

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Gaëlle Morel, commissaire du Mois de la photo de Montréal 2009

Communiqué: Le Mois de la Photo à Montréal est très heureux d'annoncer la nomination de Gaëlle Morel à titre de commissaire invitée pour sa 11e édition, qui se tiendra en septembre 2009.

Historienne de l'art et commissaire indépendante, Gaëlle Morel est titulaire d'un doctorat en histoire de l'art contemporain de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Secrétaire générale de la Société française de photographie, elle est également membre du comité de rédaction de la revue Études photographiques. Auteure de plusieurs articles et de différents ouvrages, Gaëlle Morel s'intéresse aux pragmatiques de monstration et aux enjeux scénographiques dans le champ de la photographie et de l'art contemporains.

Sous le thème "Les espaces de l'image", la 11e édition du Mois de la Photo à Montréal propose d'explorer la question des dispositifs et de la mise en espace, perçue comme une des clés de lecture essentielles des différents projets photographiques présentés au cours de ces dernières années. La programmation d'expositions, la publication, le colloque et l'ensemble des activités de la biennale s'articuleront autour de cette nouvelle thématique stimulante.

Meilleurs souvenirs de... La photographie timbrée

image On connaît bien ici la fascination qu'exercent sur notre collègue historien et conservateur Clément Chéroux les relations entre la photographie vernaculaire et les avant-gardes. Après deux étapes - à Winterthur et à Essen - son exposition intitulée "La Photographie timbrée", consacrée à la carte postale du début du XX siècle, fait escale à Paris. Inventivité visuelle, le mot n'est pas trop fort pour qualifier la fantaisie de ces montages en tous genres, où le kitsch et l'audace formelle font bon ménage. Constituée en bonne part à partir des collections de Gérad Lévy et de Peter Weiss, l'exposition est aussi l'occasion de publier un luxueux catalogue aux édition Steidl. On connaît l'Hôtel de Sully pour la difficulté que l'on y rencontre habituellement à faire "respirer" un accrochage, cette fois-ci un scénographe a permis de contourner l'ingratitude du lieu en jouant sur une obscurité quasi complète, des vitrines variées et ajustées au format de la carte postale, des projections : le tout réussit à conférer la magie nécessaire à ces petites productions où les Grands et les Petits (de l'histoire de la photographie) s'adressent de constant messages.

La nuit espagnole dans l’objectif des photographes

L’actuelle exposition du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid ne concerne pas à proprement parler la photographie. Disons plutôt que des photographies y jouent un rôle particulier au sein d’une approche qui interroge certains traits de la culture populaire espagnole dans le contexte d’épanouissement des avant-gardes. Plus de 400 œuvres réunissant 150 artistes s’organisent de façon chronologique pour en proposer la démonstration. La danse s’impose ainsi, avec la tauromachie au second plan, comme le véritable fil conducteur de cette lecture du phénomène des avant gardes sous influence espagnole.

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Cécile Hesse Gaël Romier : Pour le meilleur et pour le pire

Cela faisait quelque temps que nous n’avions pas eu de nouvelle de Cécile Hesse et Gaëlle Romier. Rencontrés lors d’un entretien du Bulletin de la SFP, puis à l’occasion d’un entretien public à la Maison européenne de la photographie (7 avril 2004) leur présence à la Biennale d’art contemporain de Lyon (Bienvenu chez vous, 2003) et leur passage à la galerie Zürcher avaient contribué à la reconnaissance d’une œuvre originale. Il y a quelque trois ans, ils décidaient de se marier, les voilà donc de retour avec une exposition au titre évocateur «Pour le meilleur et pour le pire» jusqu’au 8 mars au VOG , espace municipal d’art contemporain de Fontaine (38600). Et force est de constater qu’on y découvre (et redécouvre) une des œuvres les plus étranges de l’époque, combinaison radicale d’un surréalisme psychotique et d’un conceptualisme iconophile. L’ensemble des œuvres exposées se trouve également sur leur vrai-faux site commercial : sur place ou à emporter.

The British Landscape à la galerie Vu

L’exposition "The British Landscape" de John Davies à la galerie Vu’ (2, rue Jules Cousin, 75004 Paris), est prolongée jusqu’au 2 février 2008. Quelques jours supplémentaires pour aller se plonger dans les paysages des îles britanniques réalisés entre 1979 et 2005 et saluer l’œuvre d’un des photographes majeurs d’une Angleterre contemporaine qu’il représente pleine de symboles d’une ère industrielle révolue.

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Richard Billingham rouvre son album de famille

image Souvent classé à tort comme un disciple de Martin Parr, Richard Billingham ne bénéficie que d’une visibilité réduite sur la scène artistique européenne malgré un travail reconnu. L’exposition intitulée "People, Places, Animals: The Works of Richard Billingham" organisée par l’Australian Centre for Contemporary Art (ACCA) à Southbank jusqu’au 24 février a donc valeur d’événement.

Richard Billingham - nominé au Turner Prize en 2001- est mis sur le devant de la scène dès 1997 avec l’exposition controversée "Sensation" organisée par Charles Saatchi à la Royal Academy. Chaque artiste y avait son rôle et surtout représentait une certaine facette de la Grande Bretagne. Richard Billingham est alors vu comme le pauvre enfant des Midlands, sorte de Gavroche anglais, qui a réussi à vaincre la médiocrité de ses parents et à s’exprimer par l’intermédiaire de l’appareil photographique. Les clichés de sa mère Liz obèse au corps tatoué à outrance, de son père Ray alcoolique chronique et de son frère Jason drogué choquent et attendrissent à la fois un public qui jusque là s’efforçait de nier l’existence de cette catégorie sociale.

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Léon Gimpel, les audaces d'un photographe

Musée d'Orsay - Galerie de photographie
12 février - 27 avril 2008

Exposition coproduite par le Musée d'Orsay et la Société française de photographie
Avec le soutien de la Fondation Neuflize Vie pour la photographie

Les noms de Jacques-Henri Lartigue et d’Eugène Atget sont généralement retenus par les historiens de la photographie pour incarner les figures emblématiques de la Belle Époque. Si le premier suggère l’authenticité et la spontanéité d’une pratique photographique familiale, les photographies de Paris du second incarnent une archéologie de la photographie documentaire. À ces deux photographes, il conviendrait cependant d’en ajouter un troisième pour apprécier la richesse iconographique de cette période: Léon Gimpel.

Léon Gimpel (1873-1948) réalise ses premières photographies en 1897. Alors que la plupart des photographies de Lartigue retiennent les plaisirs de la bourgeoisie et que les images d’Atget immortalisent un Paris sur le point de disparaître, Gimpel se concentre sur d’autres aspects de la modernité de son époque. Équipé d’un appareil Gaumont, il laisse libre cours à sa curiosité d’amateur, réalise des reportages photographiques pour le journal L’Illustration et systématise l’enregistrement sériel à des fins de vulgarisation scientifique. À travers ces diverses pratiques photographiques, Gimpel produit des images aux formes nouvelles qui représentent le développement de l’aéronautique, la vie quotidienne de la Belle Époque en couleur ou encore l’évolution d’un Paris nocturne qui s’éclaire désormais au gaz néon.

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La photographie abstraite à New York

image A en croire l'actualité des galeries new-yorkaises, la photographie abstraite est en train de devenir une alternative à la vogue documentaire. Le phénomène est d'autant plus intéressant qu'il n'est pas constitué par la seule apparition de nouveaux travaux up to date mais aussi par la diffusion d'auteurs historiques parfois négligés, le tout permettant de se faire une idée de la permanence d'une photographie de type expérimentale depuis un demi siècle. La galerie Zabriskie présentait ainsi jusqu’au 3 novembre une trentaine de photographies de Konrad Cramer (1888-1963), allemand émigré aux Etats-Unis au début des années 1910, professeur de photographie à la Woodstock School of Miniature Photography (1937-1939) puis au Bard College (1940-1946).Tout en poursuivant son activité de peintre pour laquelle il est d’ailleurs le plus connu, cet artiste pratiquement oublié aujourd’hui s’empare du médium photographique dans les années 1930 sous l’influence de Stieglitz afin selon lui, «de clarifier des problèmes esthétiques picturaux». S’il commence par réaliser des natures mortes et des paysages dans la lignée des photographes straight, il s’éloigne vite du diktat de la photographie pure. La majorité de ses photographies présentent des compositions abstraites dans lesquelles l’artiste expérimente avec des sources de lumière diverses et des manipulations photographiques comme des expositions multiples, des superpositions et des solarisations. Il produit avec cette dernière technique de magnifiques nus, dont les contours sensuels rappellent ses dessins et peintures, réalisés à la même époque. La distance historique dont nous bénéficions aujourd’hui permettra peut-être de réévaluer l’importance de cet anti-moderniste avant l’heure, difficilement accepté dans le milieu photographique de son temps.

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Carole Fékété: la dévotion et la reproduction

image De retour de Madrid où elle fut pensionnaire deux années durant, Carole Fékété ramène un travail fortement marqué par les pratiques religieuses et surtout leurs mises en scènes. Dans le cadre de l’exposition organisée à l’issue du séjour espagnol, on découvre ainsi un ensemble de photographies présentant d’impressionnants reliquaires. Habituellement dissimulés aux regards, ces objets de dévotions conservés dans un couvent madrilène s’offrent à nous comme s’ils émergeaient de l’ombre et de la solitude. Mais le choix d’une prise de vue frontale, sans alentour de l’objet – bref le choix esthétique de la reproduction – ne leur confère en rien le statut d’un objet violé par le regard.

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Valérie Belin: de l’art sérieux

image A un peu plus de quarante ans, Valérie Belin connaît une rétrospective itinérante de son œuvre (Amsterdam, Lausanne, Paris) accompagnée d’un imposant catalogue publié chez l’éditeur allemand Steidl. L’ouvrage, dont la maquette est signée Piet Gerards et Maud van Rossum est d’une impressionnante créativité au regard de la rigueur qu’imposent les images de Valérie Belin.

Les raisons du succès de l’artiste sont sans mystère. Elles résident dans le sérieux avec lequel les travaux sont menés sur le plan du processus créatif, mais aussi sur l’effort constant que l’artiste a produit pour établir des liens de confiance avec des acteurs du marché sur le plan international, avec la critique et avec l’institution publique. Ce parcours sans faute est exemplaire en ce qu’il montre qu’une œuvre tout entière basée sur le médium photographique n’est pas prisonnière d’un cercle (l’artiste évolue sur le marché de l’art contemporain) et qu’elle a trouvé ainsi les conditions de son épanouissement. C’est donc à nouveau l’occasion de regarder attentivement cette œuvre. Dans l’enchaînement produit par l’ouvrage, les travaux – tous pensé sur un mode sériel – les thématiques et les traitements apparaissent dans un curieux mélange de diversité iconographique (des robes et des robots, des verreries et des voitures, des transsexuels ou des masques) et très vite d’homogénéité thématique (dialectique du vivant et du mort, transformisme, ritualisation, animalité, etc.) puis d’uniformisation des traitements: vue rapprochée et précise, modèles préparés, fond blanc, du noir et blanc (jusque très récemment), grand format… Bref, des sculptures ou presque, une verticalité toujours appuyée, une matière granulométrique du tirage toujours visible : une œuvre "tenue", sans nul doute, à certains égards sévère.

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L’histoire inachevée: photographies de la guerre civile espagnole

image Parmi les différentes expositions consacrées à la photographie cet automne à Madrid, on peut autant apprécier la mise en question de son histoire, à travers le XXe siècle ou dans l’art contemporain, qu’un recours de plus en plus massif à ce médium au sein de manifestations aux ambitions diverses[1]. Cet usage de l’archive à travers sa présentation trouve un sens particulier lorsqu’elle renvoie aux événements de la guerre civile. L’exposition du Museo de América qui retrace l’histoire de la cité universitaire la présente notamment comme «le front symbolique de la bataille pour la défense de Madrid» participant ainsi de cet effet d’épuisement des sources concernant cette période. À l’occasion de son ouverture un article titrait dans la presse: "Madrid dijo: «¡No pasarán!»", reprenant le lancement de ce cri de guerre contre les troupes franquistes pour le situer dans ce même lieu[2]. Symptomatique de ce poids qui pèse encore dans la mémoire nationale, il faudrait comme pouvoir tout voir de cette guerre mais la vision qu’on en donne reste encore très orientée malgré les réajustements critiques à l’égard de certaines images.

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Milovanoff, portraitiste de l’Art

Le musée du Louvre accueille pour la quatrième fois un photographe en la personne de Christian Milovanoff. Cette programmation est due à Marie-Laure Bernadac qui a convié précédemment deux artistes français (Patrick Faigenbaum et Jean-Luc Moulène) et l’Allemande Candida Höfer. Les expositions, d’une taille toujours modeste, se situent dans la salle des maquettes. Pour qui connaît l’endroit (tout au bout du Louvre médiéval, en retrait des fortifications de Philippe-Auguste), il n’apparaît pas prestigieux. On a beau faire de l’esprit et se dire que la photographie se trouve ici entre moyen-âge et antiquités égyptiennes (non loin de là en effet), l’espace se présente comme un sarcophage de béton, d’une hauteur sous plafond intimidante. Mais laissons cela. Environ vingt-cinq épreuves de grands formats sont disposées en frise, elles montrent des portions de bas-reliefs assyro-babyloniens conservés par le musée. L’échelle varie, parfois les originaux sont plus petits qu’ici, parfois plus grands. Cet arbitraire est une des variables du dispositif: certaines images sont en couleurs, d’autres en noir et blanc, d’autres enfin sont des négatifs que l’on confond presque avec une vue en lumière rasante.

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La guerre civile espagnole à l'ICP

L’International Center of Photography de New York consacre actuellement l’ensemble de ses espaces d’exposition à la Guerre Civile Espagnole. Réalisée par Irme Schaber, Richard Whelan (ex-directeur de l’ICP) et Kristen Lubben, une exposition sur Gerda Taro (1910-1937) vient apporter une nouvelle pierre à l’édifice de l’histoire du photojournalisme. Longtemps éclipsée par la célébrité de son maître et compagnon Robert Capa, Taro est ici remise à l’honneur, présentée comme son véritable et nécessaire homologue féminin. S’il ne s’agit pas ici à proprement parler d’une rétrospective (la carrière de la photographe fut extrêmement brève, Taro décédant lors d’un reportage un an après le début du conflit), cette exposition reste majeure, grâce à une sélection de 80 de ses images environ, choisies parmi les archives de l’ICP. Si le style de Taro se révèle être la plupart du temps, sans grande surprise, très proche de celui de Capa, il s’affirme plus personnel dans certaines images plus construites, révélant sa sensibilité aux tendances photographiques contemporaines. Le catalogue accompagnant l’exposition propose une présentation biographique de Taro par Schaber, ainsi qu’un texte passionnant de Whelan sur les problèmes d’attribution des photographies de Taro et de Capa, ainsi que sur la constitution des archives de la photographe. Outre d’excellentes reproductions des œuvres exposées, on y trouve aussi quelques pages tirées de reportages de Taro publiés pour la grande majorité d’entre eux dans Regards et Ce Soir.

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Steichen, le musée et l’art dans un miroir

L’exposition consacrée à Edward Steichen achève la programmation qui avait été établie par Régis Durand avant de quitter le Jeu de Paume. C’est l’occasion de se rendre compte que la photographie dite "historique" habite particulièrement bien ce bâtiment et qu’elle y trouve une place que l’Hôtel de Sully ne peut pas toujours lui offrir. Quoi qu’il en soit, la manifestation organisée par la Foundation for the Exhibition of Photography et le musée de l’Élysée de Lausanne est particulièrement réussie, accompagnée au surplus d’un imposant catalogue.

Cette réussite tient avant tout au travail de recherche d’images peu connues du photographe, la partie de l’exposition qui se tient au rez-de-chaussée est consacrée à la période pictorialiste de l’artiste américain – entre 1900 et 1910 environ. Si la présentation est classique dans son désir de découper les périodes, la découverte de nombreuses épreuves d’une excellente qualité atténue l’affirmation du goût fine arts de l’exposition. Bref c’est l’art qui, sans conteste, gagne ici: Steichen dans ses jeunes années est un virtuose des procédés pigmentaires mais, au-delà des techniques, il est réellement inspiré par la possibilité de noyer le réel dans les matières. C’est l’absence de formalisme qui est le plus convaincant chez-lui: si les sujets restent secondaires, la sensualité est toujours au rendez-vous, les corps, les visages, la nature, ses fameux autoportraits sont toujours convaincants. Nul doute qu’Alfred Stieglitz tenait là, à côté de ce qu’apportera bientôt Alvin Langdon Coburn, un des meilleurs pictorialistes de la Photo-Sécession.

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Ut Pictura Virserius

Avec la série intitulée "Les plis de la terre", Regina Virserius propose un ensemble de vues qui ne sont pas tout à fait des paysages bien qu’il s’agisse de nature. Cette nature dont on sait qu’elle est propice a créer des ressemblances (mimétisme) se trouve ici posée face à nous, dans une nudité qui semble interdire toute analogie. Les artistes et plus précisément les photographes ont été depuis un siècle et demi les principaux artisans d’une image de la nature. Ils ont accompagné sa conquête, sa transformation esthétique en paysage, ils ont même fait des outrages que l’homme lui fait subir une forme de poétique (zone, déchet, catastrophe écologique – on pense notamment à Lewis Baltz) ou bien à l’inverse ils ont tout ignoré de cela dans une pulsion de transcendance moderniste (Ansel Adams). On est, avec Virserius, tout autre part. Tout d’abord parce que sa culture comprend un intérêt fort pour le minimalisme et le land art. Partant, la nature est avant tout un lieu d’expérience et non de contemplation ou de compassion. La nature est bien plus un "matériau" comme l’ont été pour l’artiste les corps dans une récente série intitulée "Inflexion". Mais ce matériau est travaillé par le regard avec un parti pris optique fort, celui d’une forme de rapprochement à la limite de l’immersion, une sorte de distance très courte où l’on ne se sent pas "devant" un paysage, ni "dans" la nature mais sur une ligne de flottaison. Car les points de vue haut sont souvent orthogonaux face à la paroi, ou bien à l’aplomb du plafond nuageux. Plusieurs photographies cadrent le minéral si serré (et l’espace est immense) qu’aucune place ne reste pour le ciel, ce sont les plissés qui gouvernent; puis un ensemble déplace et monte le point de vue: les plissés se déploient en coulures qu’on dirait nées des fameuses expansions de César. Plus haut, de la fumée s’échappe et l’on pense à la célèbre image de Timothy O’Sullivan, enfin on s’élève toujours et l’on rencontre la nappe nuageuse puis on la dépasse. Notre rapport à la nature suit donc une verticale, classique dans ce qu’elle rappelle être une ascension physique et spirituelle. Mais la nature ici ne parle pas, et dans cet en deçà du langage elle est pleine d’une pensée magique. La masse nuageuse devient presque aussi sensible que les steams (vapeurs) s’échappant du sol des célèbres œuvres de Robert Morris, les épanchements minéraux font penser quant à eux à Robert Smithson. Ainsi la nature n’imite rien, car elle ressemble à de l’art, à l’art qui s’est, depuis deux générations, rapproché d’elle avec une empathie qu’aucune théorie n’est venue neutraliser. Regina Virserius dresse une sorte de pont entre ce que l’on peut faire avec la nature et ce qu’elle impose toujours émotionnellement. Cette série, si pleine d’une époque où le terme "écologie" résonne en tout sens, ressemble dès lors à une tentative de réconciliation.

- Exposition Regina Virserius, galerie Éric Dupont à Paris, à partir du 8 septembre (www.eric-dupont.com).
- Retrouver le site de l’artiste www.reginavirserius.com.
- Relire l’entretien de Regina Virserius avec Paul-Louis Roubert sur Vitevu.

Illustration: Plis#5 /2007, 110 x 135 cm, tirage jet encre sur papier Hahne Mühle.

20°C, 48% d’humidité relative

Si ces chiffres ne disent rien de bon pour les juillettistes et les aoûtiens, il sont idéaux pour la conservation des photographies de Léon Gimpel. En préparation de l’exposition "Les libertés visuelles de Léon Gimpel" qui ouvrira en février 2008 au musée d’Orsay, 103 autochromes et 92 plaques de projection ont été restaurées et acheminées dans les réserves de la rue de Lille. Elles ont ensuite été constatées soigneusement et seront reproduites sous peu pour les besoins éditoriaux, mais également pour être projetées dans les salles lors de l’exposition. Pas de répit donc à la SFP et au musée d’Orsay pendant la période estivale…

Illustration: Anne Pouchelon, Carole Troufleau et Élodie Texier Boulte contatant les plaques de Léon Gimpel après leur transport au musée d'Orsay, 26 juillet 2007 (cliché Gervais).

La critique sans trophée

Pour qu’un artiste en vienne aujourd’hui à partir à la chasse, c’est qu’il doit avoir en tête (on pense à Jean Renoir) que quelque chose de l’époque traîne dans les fourrés. C’est l’automne, les bois sont encore secs, une structure de béton barre les troncs élancés, les chasseurs s’affairent sans excitation, un chien roux au collier jaune fume de son poil mouillé, un type fait face sans héroïsme… La chasse a au moins un mérite, celui de gager tout éventuel bénéfice obtenu sur la sophistication de son instinct. Connaissance du terrain, du maniement des armes, du dressage des chiens, des rituels saisonniers et j’en passe. La chasse, n’en déplaise aux propriétaires de belles demeures laissées en héritage, ne gagne rien à être intellectualisée. En ce début d’été, l’exposition de Christophe Bourguedieu au Point Éphémère à Paris (200, quai de Valmy, jusqu’au 4 septembre), propose une série de vues de chasse réalisée pour Image au Centre, et forme la métaphore du rapport de la critique à la photographie contemporaine. Entendons que cette dernière s’obstine à ne pas se laisser penser avec les armes rouillées de la critique d’art et met le commentateur au défi de réfléchir ses instincts. En bref, l’oeuvre de ce photographe, et cela de manière emblématique, oblige à reconstruire les analyses dans l’expérience d’un rapport sensible aux images. Le problème de cette remise en jeu, c’est bien que la photographie a été approchée de la manière la plus désolante sur un mode instinctif (les photographes étant main dans la main avec la critique journalistique). Que les meilleures analyses dont nous héritons soient celles d’intellectuels vieillissants (disons Barthes et Sontag), précisément épuisés par les promesses de la théorie, indique qu’il faut être près de la fin pour consentir à l’émotion de l’intelligence. En quittant l’exposition de Bourguedieu, on a donc le sentiment de rentrer bredouille, sauf à avoir compris un certain trait d’époque.

A noter que la Vitrine de la SFP exposera à partir du lundi 16 juillet une oeuvre de Christophe Bourguedieu, et qu’un livre consacré à ses Passagers sortira en octobre aux Éditions du Point du Jour (cliché: Christophe Bourguedieu).

Vive la Reine!

image Le meilleur aux Rencontres d'Arles, comme chacun sait, ce sont les rencontres. L'effet festival qui fait qu'on croise plus de connaissances (et qu'on règle plus de dossiers) en deux jours à Arles qu'en deux mois à Paris. Rien de neuf, mais tout de même, ça fait réfléchir sur les contraintes de la géographie...

A part ça? Le coeur du festival s'est manifestement déplacé. Il est assez amusant de constater, alors que le choix de la pittoresque cité des Bouches-du-Rhône devait beaucoup à son côté vieilles pierres, que les expositions ou les événements les plus courus quittent progressivement le centre-ville et migrent vers sa périphérie. A l'est, ce sont évidemment les anciens ateliers de la SNCF qui attirent les visiteurs, avec les expositions India, China ou les portraits politiques. A l'ouest, ce sont la rue de la République et la rue de la Roquette qui étirent vers les quartiers populaires la "plus belle nuit", suite de projections de rue qui réunit jusqu'à plus d'heure tout ce que la ville compte de festivaliers. Dans les deux cas, on a changé de décor (voir illustration). Le théâtre antique, laissé à Lou Reed, ou la proximité des arènes, occupée par la Bibliothèque nationale avec l'expo Atget, ont pris un coup de vieux.

Aux ateliers justement, on trouvera ce qui est peut-être la meilleure exposition du festival. Une exposition sans commissaire, livrée clés en mains par Buckingham Palace (et l'agence Camera Press), qui déploie avec une intensité sans pareille les problématiques du portrait et de la représentation du pouvoir. Soit Elizabeth Alexandra Mary Windsor, né en 1926, promise au trône d'Angleterre. On en découvre les images, de l'enfance à l'adolescence, sans différence sensible avec une roturière contemporaine. Puis, brutalement, à 26 ans, le couronnement. Et l'on voit d'un coup un individu de chair et de sang basculer dans le monde glacé de la représentation, passer de l'autre côté du miroir, entrer dans son portrait. Quatre-vingt années de vie, près de soixante années de règne, suivies à la trace, religieusement enregistrées par les gardiens du temple. Avec la surprise de retrouver quelquefois un soupçon de vie, un peu de gaieté derrière la façade lisse du protocole. Les portraits tendres et ironiques de Cecil Beaton montrent qu'il est encore possible, pour un archéologue patient, de ramener à la surface quelque chose de l'humanité de son sujet. Avec le dernier portrait de mamie Elizabeth, se referme une vie qui n'aura servi à rien d'autre qu'à faire exister une image. Quel artiste pourra jamais se mesurer avec une oeuvre aussi exceptionnelle?

Vintages à la fête


Aux amateurs en mal de vintages depuis le dernier mois de la photographie, on pourra conseiller de se rendre au musée d'Orsay pour contempler un florilège de ce qui se fait de mieux en matière de papiers salés, daguerréotypes et autres autochromes. Commencée en 1986, la collection de photographie du M'O fête aujourd'hui vingt ans d'enrichissement et s'expose dans l'espace lui étant dévolu depuis quelques années. On pourra y voir – ou y revoir parfois – les Nègre, Le Gray, Cuvelier (fils), Nadar, Green, Carroll (en tirage moderne), Atget, Degas, Steichen, Stieglitz, jusqu'aux glaciers de Gimpel récemment acquis, en passe de devenir des classiques et qui entrent ainsi de fait au rayon des chefs d'œuvres de la photographie ancienne. Reflet des riches et encore jeunes collections du musée d'Orsay, ce choix, opéré par Françoise Heilbrun, trace à grands traits autant l'histoire de la photographie de 1839 à 1918 que l'histoire des goûts en matière de collection et d'acquisition de ces deux dernières decennies. Où, sur un tapis de primitifs exceptionnels et autres Nadar dignes des années 1980, fleurissent de beaux exemples d'usages vernaculaires de la photographie d'Atget à cet album d'amateur lyonnais décapiteur de femme.

Vu de pigeon

image Toujours à l'affut des dispositifs les plus étranges, Pascale et Jean-Marc Bonnard Yersin proposent depuis le 21 février au Musée suisse de l'appareil photographique de Vevey une exposition intitulée "Des pigeons photographes?" Celle-ci retrace l'histoire des projets d'utiliser ces dociles auxiliaires à des fins de surveillance ou d'investigation militaire. Grâce au dépôt de la famille Michel, descendants de l'un des inventeurs d'appareils de photographie aviaire dans les années 1930, le musée peut proposer une vision détaillée des essais et des résultats obtenus à l'aide de ces dispositifs. Des résultats souvent surprenants, voire poétiques, tant le degré d'initiative esthétique de ces volatiles témoigne d'une vaste ouverture à l'univers des possibles. Ces procédés hasardeux semblent avoir été abandonnés parce qu'ils renseignaient finalement plus sur la vie des pigeons que sur les mouvements de l'ennemi.

Illustration: couverture de Sciences et Voyages, n° 2, 1919-1920 (appareil de Julius Neubronner), extrait du catalogue (disponible à la SFP).

Exposition "Des pigeons photographes?", du 21/02 au 17/09/2007. Musée suisse de l'appareil photographique
Grande Place 99, 1800 Vevey, tél. 021 925 21 40.

Le musée Nicéphore Niépce rend hommage à l'abbé Pierre

Le mythe de l'abbé Pierre dispose d'un atout précieux: la tête de l'abbé. C'est une belle tête, qui présente clairement tous les signes de l'apostolat: le regard bon, la coupe franciscaine, la barbe missionnaire, tout cela complété par la canadienne du prêtre-ouvrier et la canne du pèlerin. Ainsi sont réunis les chiffres de la légende et ceux de la modernité. Roland Barthes, "Iconographie de l'abbé Pierre", Mythologies, Editions du Seuil, 1957.

Illustration: Laurent Gilles, "Rencontre entre Robert Doisneau et l'abbé Pierre", août 1992, gélatino-bromure d'argent, 21,5 x 31,5 cm, © Laurent Gilles.

Autres expositions en cours: "Elina Brotherus. The New Painting", jusqu'au 11 février; "Les yeux de la guerre. 14-18 en images", jusqu'au 11 février.
Musée Nicéphore Niépce, 28 quai des Messageries, 71100 Chalon-sur-Saône, www.museeniepce.com.

L'événement: à la recherche du musée perdu

image Avec un millier de visiteurs le premier dimanche de son ouverture, l’exposition "L’Evénement, les images comme acteurs de l’histoire" au Jeu de Paume à Paris semble connaître un intérêt qui nous pousse dès aujourd’hui à réfléchir à la nature même du projet. A l’heure des levées de boucliers contre la marchandisation des musées qui témoigne pour le moins d’une histoire de l’art et d’une vision du métier de conservateur figées dans l’aristocratie et le dandysme d’un autre temps, une exposition comme celle du Jeu de Paume pose à son tour une question essentielle: les musées et les lieux d’exposition ne doivent-ils pas repenser leur rapport au savoir et tendre la main au monde de la recherche?

Le montage de l’Evénement s’est effectué avant tout à partir d’un groupe de chercheurs invités à divulguer le produit de leurs propres travaux, jouant ainsi un rôle de producteur et de médiateur de leur recherche. A l’évidence, ces deux métiers peuvent être dissociés, et l’on peut exceller dans l’un et s’avérer médiocre dans l’autre. Néanmoins le chercheur, comme le conservateur, ont beaucoup évolué depuis une génération, reléguant la figure de l’universitaire de cabinet bien loin derrière celle d’un savant citoyen, soucieux de récolter le fruit de ses efforts sur la scène culturelle. Alors, marchandisation de la recherche cette fois? Prostitution de matière grise financée par les universités? Question ridicule qui masquerait une volonté de ne pas toucher au marché de la vulgarisation, qui doit, de plus en plus, être réinvesti par les chercheurs en sciences humaines. Ce marché, qui s’est longtemps cantonné à l’édition spécialisée des manuels, doit désormais accompagner les publics et venir s’implanter dans les hauts lieux du patrimoine et de l’art. Les chercheurs, ces nouveaux "commissaires", par l'expérimentation de nouvelles manières de donner à comprendre leurs travaux, inventeront, de manière certes empirique, de nouvelles façons de nous donner envie de retourner au musée. Si l’exportation lucrative des collections nationales au bout du monde est un faux débat au regard de l’histoire même de nos institutions culturelles, l’importation de la recherche universitaire au coeur des musées ne doit plus être une exception mais alimenter régulièrement un marché intérieur qui, d’ici peu, trouvera aussi moyen d’exporter un savoir comme un faire au delà des frontières.

L'événement: le vernissage online

image Mettez ensemble quelques-uns des meilleurs spécialistes d'histoire de la photographie et vous obtenez logiquement l'une des plus stimulantes propositions muséographiques de ces dernières années. A l'occasion du vernissage de l'exposition "L'Evénement" au Jeu de Paume, un premier aperçu en images de ses riches parcours, à ne pas manquer jusqu'au 1er avril 2007 (version html, version Flash).

L'événement: exposition et boîte à outil de notre culture visuelle

image Mardi 16 janvier, l'exposition intitulée "L'événement, les images comme acteurs de l'histoire" ouvrira ses portes au public à la galerie nationale du Jeu de Paume à Paris. Actuellement en cours d'accrochage, cette manifestation s'annonce d'ores et déjà comme fortement atypique dans le paysage des institutions muséales. En premier lieu, comme le rappelle d'emblée Régis Durand – ancien directeur du Jeu de Paume et initiateur du projet – dans le catalogue (édition Hazan), parce qu'il est rare de consacrer une exposition à une notion, et encore moins à une notion aussi ambigüe que celle d'événement. Ensuite, parce que cette manifestation table sur la circulation des médiums: il ne s'agit pas d'une exposition de peinture, ni de dessin ou de photographie ou bien encore de film, mais tout cela à la fois, c'est à dire d'images. Ajoutons encore que cette exposition est probablement la première du Jeu de Paume a remplir le cahier des charges des intentions initiales du ministère de la culture, en faisant appel aux collections nationales (la Bnf est partenaire, le musée d'Orsay accorde un prêt inestimable) et en articulant patrimoine et création contemporaine. Enfin, ce projet que j'ai mis en œuvre avec Régis Durand l'a été en vérité par toute une équipe de commissaires associés, montrant qu'aujourd'hui une exposition, comme un projet éditorial ambitieux, nécessite la mutualisation des recherches plus que l'affirmation d'un regard de curator.

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Portraits de Yousuf Karsh au Centre culturel canadien

image Celui que le magazine Popular Photography qualifiait en 1958 de «seul portraitiste» parmi les dix plus grands photographes du monde (aux côtés de Ansel Adams, Richard Avedon, Henri Cartier-Bresson, Irving Penn, Eugene Smith…) est doublement mis à l’honneur. Dans le cadre de l'année du Canada à Nice et de l'année de l'Arménie en France, la Portrait Gallery du Canada et le Théâtre de la photographie et de l'Image de Nice ont organisé cette exposition, couvrant les soixante ans de la carrière de Yousuf Karsh (1908-2002). Des 11.000 personnalités photographiés, 100 furent présentées à Nice pendant le Septembre de la photo 2006 et 80 le sont actuellement au Centre culturel canadien.

Célébrités du monde politique, religieux, artistique et scientifique se côtoient, se chevauchent devrait-on dire, sur les quelques cimaises du Centre. L'accrochage est audacieux, mais n'enlève rien au plaisir de regarder ces épreuves. Il invite à une danse que l’on serait bien en mal de refuser et qui renouvelle le parcours du visiteur. Un peu forcé, il se prête au jeu et s’approche, se recule, observe, prend de la distance, lève la tête, se retourne... Chacun pourra apprécier l’homogénéité de ce travail, avec un goût particulier de l’auteur pour les fonds noirs uniformes et les profils bien dessinés. Si les épreuves témoignent d'une maîtrise technique indéniable, Karsh est aussi reconnu pour ses mises en scène. D’une grande simplicité, elles accusent un désir de réalisme qui allait à l’encontre de la production de style pictorialiste encore en vigueur dans les studios des années 1930. Bien que souvent traditionnelle, la pose est mise en lumière par un éclairage violent, voire dramatique, qui confère une rare intensité à ces modèles.

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"Une arme visuelle: le photomontage soviétique 1917-1953"

image Le Passage de Retz accueille actuellement l'exposition "Une arme visuelle: le photomontage soviétique, 1917-1953". Son intérêt majeur est de présenter un versant de cette pratique qui demeure encore aujourd’hui malheureusement mal connu, voire méconnu, celui de sa mise au service du politique et de la propagande. Préparée par Olga Sviblova, directrice de la Maison de la Photographie à Moscou, cette exposition, à la scénographie sobre et efficace, regroupe quelques 150 photomontages réalisés par une dizaine d'artistes tels que Alexandre Rodchenko, El Lissitski, Gustave Klucis, Elena Semenova, Serguei Senkine, Vavara Stepanova, Solomon Telingater, Piotr Galadejv ou encore Alexandre Jitomirski. Les oeuvres présentées proviennent des collections de plusieurs institutions culturelles moscovites, comme la Maison de la Photographie, le Musée d'Etat V. Mayakowski, et le Musée National du Cinéma. On trouve aussi de nombreuses images appartenant à des collections privées, ainsi qu’à la Galerie Alex Lachmann à Cologne.

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Le goût de l'expérimentation à Rennes

image Si vous passez par Rennes d’ici au 21 décembre 2006, arrêtez-vous à l’université. Le bâtiment de la Présidence, Campus Villejean, place du Recteur Henri Le Moal, offre à voir une sélection des collections de la Société française de photographie (sous la forme de tirages numériques exécutés par le Laboratoire Janvier, Paris). Explorant le thème des sources des avant-gardes photographiques, Nathalie Boulouch, commissaire de l’exposition, maîtresse de conférences en histoire de l'art contemporain, a sélectionné vingt-trois images provenant de différents domaines, ainsi qu’elle l’explique ci-dessous.

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Coups de coeur à Paris Photo

image La nouvelle édition de Paris Photo nous apporte son flot annuel de photographies où l'on se noie facilement. À noter cependant la curiosité surréaliste de la galerie Plantureux: la photographie de Dieu sur plaque daguerréotype réalisée par Salvador Dali aidé de Thomas d'Oaste. Et, dans la même salle, un nouveau participant à la foire a pris place, la galerie "Lumière des Roses", installée à Montreuil. Dans la sélection réunie par Marion et Philippe Jacquier on ne voit pas de grands noms de l'époque moderne, mais on découvre des anonymes ou des photographes peu connus dont les images originales attirent le passant un peu perdu. Des tirs photographiques, des photographies d'éclipse, une radiographie d'écureuil de la fin du XIXe siècle ou encore quelques de nus surprenants sont autant de bonnes raisons de s'arrêter dans cet espace où le prix des images reste relativement abordable.

Illustration: "North Korea in Paris. Opening of Paris-Photo, digital photographs by Phillipe Chancel, gallerie Anne de Villepoix", 16/11/2006, Colodio, licence CC.

Le goût de l'archive

Pour son accrochage dans le cadre du 14e mois de la photographie, on ne pourra pas accuser la Maison européenne de la photographie de céder au charmes du vintage. Hormis les étages inférieurs consacrés à plusieurs présentations autour de la photographie contemporaine (notamment Mutations 1, présentant une sélection de travaux commentés par André Rouillé, qui a souhaité dresser un panorama de la jeune création photographique européenne (sic)), les niveaux principaux du bâtiment sont dévolus à deux expositions "dossier" dans le sillage des préoccupations de l'historiographie contemporaine sur les destins imprimés de l'image photographique.

Un premier échelon se consacre à l’aventure éditoriale et critique de trois images emblématiques du modernisme photographique d'André Kertész, dont sa célèbre Fourchette. "L'Odysée d'une icône" propose ainsi de découvrir à travers coupures de presse, catalogues et monographies d’époque, exposés sous vitrine, comment se forge à travers le temps, de 1928 à aujourd'hui, un canon de l'histoire de la photographie. Un souci de l'archive que l'on retrouve sur les deux étages supérieurs dans "Regarder VU", exposition à la fois didactique et foisonnante. Organisée par Michel Frizot et Cédric De Veigy, elle prend le parti d'extrapoler à l'état de sujet d'étude un objet qui d’ordinaire dépasse rarement, dans ce genre de manifestation, le statut d'élément de contextualisation. Pari ambitieux faisant la part belle aux couvertures et doubles pages (plus de 600) de ce magazine clés du renouvellement de la presse illustrée du XX° siècle.

Peu de photographies en effet mais des images en quantité et un symptôme sans doute du déplacement des objets de l’histoire dont il reste à analyser ici les partis pris.

Transparences et opacité à Monaco

image L'actuelle exposition de préfiguration du Nouveau musée national de Monaco s'intitule "Lumière, transparence, opacité". Jean-Michel Bouhours, conservateur en chef, et Nathalie Rotischer, conservateur, ont conçu cette manifestation autour d’un ensemble de tableaux dioramiques anonymes du XIXe siècle appartenant au musée (collection du Marquis du Périer du Mouriez). Avec une quarantaine de prêteurs et près de 300 oeuvres, la thématique du tableau transparent se décline sur plus de deux siècles, allant des traitements de la lumière artificielle et du clair obscur dans les peintures du XVIIIe siècle aux projections cinématographiques, en passant par les jeux visuels des boîtes d'optique. Parmi les nombreuses photographies, douze ont été prêtées par la SFP. Choisies pour leur sujet ou les caractéristiques de leur procédé, celles-ci ne pouvaient être mieux mises en valeur.

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Au pied du mur

Foule des grands soirs au musée d’Orsay ce mardi 24 octobre pour la réception, à l’auditorium, de Jeff Wall à l’occasion de la présentation dans la série Correspondances d’un dialogue entre Rear view, open air theatre de l’artiste canadien et Le pont de Maincy, une toile de Paul Cézanne réalisée vers 1879.

Sans doute ne fallait-il pas attendre grand chose de cet entretien public entre Jeff Wall et le critique Jean-François Chevrier, où l’on apprendra pourtant que la canadien réside chez le parisien lors de ses séjours dans la capitale et que les vieux couples ne sont peut-être pas les plus dynamiques. Face à un Chevrier plus enclin à imposer un discours – preview d’une monographie à paraître et dûment annoncée au cours de la séance – qu'à engager un véritable dialogue, on a pu voir un Jeff Wall essayant d’échapper aux idées enferrant son travail malgré lui.

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Avant la région humaine

image Samedi prochain, l’exposition "La région humaine" ouvrira ses portes au premier étage du Musée d’art contemporain de Lyon (jusqu’au 31 décembre), dans le cadre du festival Septembre de la photographie. C’est sur l’invitation de son directeur, Gilles Verneret, et du directeur du musée Thierry Raspail, que j’ai réalisé cette exposition comptant plus de 150 œuvres d’une vingtaine d’artistes. Un projet sur la représentation contemporaine de l’homme ne naît pas d’une commande, elle résulte ici d’un travail entamé au milieu des années 1990 au sein du Bulletin de la Société française de photographie, à travers de nombreux entretiens menés par moi-même et toute une équipe. Organisées régulièrement, ces rencontres également formalisées par les "Entretiens publics" à la Maison européenne de la photographie, ont été le moyen d’aborder la production des photographes français qui échappent aux catégories du reportage ou bien de l’art contemporain, laissant peu à peu percevoir le dynamisme d’une scène française qui ne trouve pas réellement de vecteur pour s’affirmer.

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“Le navire partira à 20h”

image Vues maritimes dans les collections de la Société française de photographie, Rennes.

Cette exposition présente un choix de photographies réalisées, entre 1900 et 1930 environ, par des amateurs excursionnistes, pour la plupart membres de la Société d'excursions des amateurs photographes (SEAP) qui, alliant le loisir de la photographie à celui du voyage, se sont rendus en Bretagne et en Normandie.
Au gré de vues de ports, de mer, de scènes de pêche, c'est la vision d'un univers maritime aujourd'hui disparu que nous transmettent ces plaques de projection présentées sous la forme de tirages modernes.

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"La Photographie pictorialiste" tourne (bien)

L'exposition au musée des Beaux-arts de Rennes "La Photographie pictorialiste en Europe" (19 oct.-15 janvier) à laquelle la SFP a apporté son concours se déroule dans les meilleures conditions: près de 10000 visiteurs selon Francis Ribemont, directeur de l'établissement, une presse nourrie (voir le dernier Images Magazine), un immense succès de l'entreprise pédagogique liée à l'événement. Rappelons que l'exposition partira en février au musée de Saint-Louis aux États-unis, légèrement relookée par notre ami Phillip Prodger qui nous fait l'amitié de passer la semaine dernière à la société. Vous trouverez les informations (notamment le cycle de conférences des Amis du musée) et des images de l'inauguration sur le site très bien fait du musée:
www.mbar.org.

Dernières nouvelles: la SFP offrira aux membres du conseil d'administration un catalogue (édité par le Point du jour) pour les fêtes de fin d'année!